澳洲最具影响力的艺术奖项 - 阿奇博尔德奖

每年冬天，就到了去新南威尔士州立艺术馆（Art Gallery of NSW）看阿奇博尔德奖（Archibald Prize）画展的时候，这是澳洲最负盛名的肖像画奖项，专注于描绘杰出人物的肖像艺术，象征澳洲绘画艺术的最高荣誉之一。一个多世纪以来，阿奇博尔德奖每年举行一次，由新南威尔士州立艺术馆组织。不限画风，油画、水彩、传统写实或当代风格皆可。获奖或入围阿奇博尔德奖的艺术家，往往职业生涯迎来重大突破，进入主流视野和商业画廊系统，成为许多藏家和画廊关注的风向标之一。

 

 

 

阿奇博尔德奖由约翰·阿奇博尔德（ J.F. Archibald）创立于1921年，它的设立有着鲜明的文化使命和浓厚的时代背景。阿奇博尔德（1856–1919）是澳大利亚著名新闻人、《悉尼公报（The Bulletin）》的创始编辑之一。他是澳洲国家认同的积极推动者，主张本土文化、艺术、文学的发展。他生前就对艺术有极大兴趣，特别推崇肖像画，认为这是记录时代精神和杰出人物的最好方式。1919年去世时，约翰·阿奇博尔德留下遗嘱指定设立一个基金会，每年奖励澳洲或新西兰画家创作的肖像画，入选条件是所绘人物在艺术、文学、科学或政治领域中具有影响力，而且必须“活着”（这是当时规定，如今仍然被严格遵守）。

 

阿奇博尔德奖是澳洲少数能“引起全民围观”的艺术奖项，每年展出时吸引十多万人次参观，成为悉尼文化季的焦点。这个奖项在澳洲的影响力非常深远，它不仅是澳洲最重要的艺术奖项之一，也是一项广受公众关注、媒体热议、艺术界高度认可的文化盛事，如同“澳洲艺术界的金像奖”。每年入围名单和最终得主都会引发主流媒体广泛报道，甚至进入电视、电台、社交媒体热搜。作品风格、画中人物选择，甚至是否“像”本人，常常成为讨论焦点，常引发热议甚至争议。曾经有关于作品是否“素描”或“是否具肖像资格”的法律诉讼案例，显示其舆论影响力之高。

 

 

阿奇博尔德奖多次聚焦澳洲本土文化、原住民人物、移民经历与性别议题，推动社会关注多元价值。例如 2004 年 Craig Ruddy 为原住民演员 David Gulpilil 所绘肖像引发巨大共鸣，凸显澳洲对原住民身份的文化再认识。越来越多艺术家通过阿奇博尔德奖表达社会批判、身份探问与历史回顾，其作用早已超越纯艺术层面。它是艺术、名人、政治、社会议题交汇的独特平台，不仅是澳洲艺术界的荣誉象征，更是一项深植社会土壤、富有时代精神的大众文化事件，也帮助公众用全新视角看待“肖像”这一古老艺术形式。

 

 

今年的阿奇博尔德奖由布里斯本女艺术家 Julie Fragar以作品《Flagship Mother Multiverse（Justene）》摘取，赢得10万澳币大奖。这幅240×180?cm的灰调油画以她的好友Justene?Williams为主题，写实地描绘人像，却加入诸多远景“雕塑、装置、女儿小像”等细节，融合了写实与超现实风格，形成视觉冲击与叙事张力。画中女主角漂浮于星空之中，犹如多元宇宙的主宰，象征现代女性一人身兼艺术家、母亲、在职人员等多重角色。评委认为这幅作品大胆融合个人叙事与超现实主题，形式新颖，能量强烈，是女性艺术表达方式的有力呈现，让观者感受到“裂变中的能量”。但是我和同行的画家老胡有着相同的观感，认为作品过于数字感和平铺直叙，少了油画作品最吸引人的那份质感，显得有些平淡无趣和噱头多于厚度。从纯绘画技巧层面来看，这幅画在质感塑造与传统绘画锐度方面明显薄弱，无疑这幅画作的得奖有着强调主题政治正确（女性与女性主义题材）的嫌疑。

 

 

 

每年和阿奇博尔德奖入围画作一起展出的还有温·奖（Wynne Prize，风景画）和苏尔曼奖（Sulman Prize，题材类）。温奖是澳洲最古老，而且持续举办的重要艺术奖项，该奖根据理查德·温（Richard Wynne）先生的遗愿于1897 年设立的。理查德·温是悉尼的地产开发商、慈善家，他去世前在遗嘱中指定设立该奖，以支持澳洲艺术发展。奖项由新南威尔士州立艺术馆管理。根据理查德·温遗嘱规定，奖项旨在奖励表现澳洲风景的最佳画作，或澳大利亚雕塑作品。”温奖初期仅限于“油画风景”，后来接受各种媒介（丙烯、水彩等）和原住民艺术风格，同时也是澳大利亚少数兼收雕塑作品的艺术奖项之一。

 

 

今年的温奖由Jude Rae创作的油画《Pre dawn sky over Port Botany container terminal》夺得，拿下奖金5万澳币。这幅200×150?cm的油画描绘了黎明前的港湾景象，沉静幽远却充满工业气息。画面上方是深蓝渐变至浅蓝的黎明天空，下方是由集装箱码头上的灯光与工业设施构成的锈红与人造光辉。冷暖色调的对比，以及天空的辽阔感，将观者的目光领向无垠的南方天空，令“我们很渺小”的主题呼之欲出。黎明前短暂微妙的光线无法被相机捕捉，正如艺术家所述：“无法用摄影来呈现 - 太微妙，转瞬即逝”。但通过油画，Rae能精准拿捏那一刻的空气与光影，既冷清又满载张力。画作源于Redfern的住宅窗景，面对原住民与殖民历史重叠的Botany Bay。评委认为这幅画通过景观体现殖民与原住民历史张力，反映“贸易国家”的身份、夜以继日的运作，以及工业对自然与历史的包裹。这种文化和时间层面的叠加为作品增添意义深度。

 

但是在我眼中，这幅画更像是一幅干净的风景报告，不是一幅能抓住你心的画。尤其在与其他更具表现力的风景作品（如乡野、雨林、激烈光影等）对比时，这幅画显得冷峻、疏离和情绪节制，这让人敬而远之。看久了像是一张摄影照片的复制，少了艺术家内在的情绪奔流。这反映出当代艺术评奖中对‘政治性场景’的偏爱——港口象征殖民、贸易、原住民历史、人类影响等议题，评委的青睐可能更多基于社会符号价值，而非传统绘画美感。

 

 

苏尔曼奖（Sulman Prize，题材类）根据澳大利亚建筑师、艺术赞助人约翰·苏尔曼Sir John Sulman 爵士（1849–1934）的遗愿于1936年设立。约翰·苏尔曼是悉尼城市规划的先驱，也是新南威尔士艺术馆（Art Gallery of NSW）的资深理事与赞助人，他在遗嘱中陈述自己设立该奖项的初衷为：“鼓励年轻澳大利亚艺术家创作高水平的题材画。”苏尔曼奖每年颁发一次，表彰由澳大利亚艺术家创作的最佳题材画（subject painting）、风俗画（genre painting），或壁画设计（mural project） 。

 

与阿奇博尔德奖、温奖的不同，苏尔曼奖不仅具有独特的题材导向，还有自己特殊的评审方式。苏尔曼奖每年由新南威尔士美术馆馆长指定一位艺术家作为“单一评委”，由该评委全权决定入围和获奖。这种“独立裁决”制度使得每届苏尔曼奖风格随评委偏好显著不同，也常伴随争议或突破。历年评委包括 Brett Whiteley、Ben Quilty、Joan Ross 等知名艺术家。苏尔曼奖早年作品多为新古典主义或宗教、战争题材，20 世纪中后期开始多样化，包括抽象表现主义、波普、政治讽刺、装置设计草图等，近年来作品常涉社会议题，如性别、移民、生态危机、童年记忆等。

 

 

今年的苏尔曼奖冠军作品为《Sky Painting》 ，这幅240×240cm的油画由来自蓝山地区的画家 Gene A’Hern 创作，得到4万澳元奖励 。作者A’Hern 表示，此作源自他观察天空的体验，用“扩展的动作捕捉规模与色彩”，展现“大自然的仪式性和生命感” 。客座评审 Elizabeth?Pulie 称其“毫无矫饰地献身于线条与色彩，对颜料材质节制饱满，充满能量”。画旁的解说词提示，作者运用明亮的色彩和充满活力的笔触，绘制了一幅独特的天空画作。自然的声音、风声和其他景观元素以一种富有想象力的方式融合在一起，将大地与天空融为一体。虽然作品试图传达自然仪式感与精神经验，但其表现方式高度抽象、笔触奔放、构图混沌，看起来像是一张巨大的色彩练习纸，而非一幅具备清晰结构的画。面对这幅巨画，我完全感受不到作者想表达的“他在蓝山家中听到鸟叫与风声的记忆”，这幅作品缺乏故事、文化象征或人物关系，更像情绪的涂抹，而非具有社会洞察或叙事意图的绘画。

 

 

阿奇博尔德奖不仅是艺术奖，更是澳洲文化的一面镜子，映照出时代精神、名人风采与社会变迁。它也激发了对人物肖像在多元文化下的表达方式的深刻讨论。参观今年的阿奇博尔德奖，可以清楚地感受到评委疑似更偏重主题与政治正确，而非绘画本身的艺术深度。今天的西方社会，白左已经成为一股不容忽视的潮流。强调政治正确（Political Correctness）；支持多元文化、种族平等、性别平权、生态环保；拒绝传统价值观与“审美标准”的传统。“白左”倾向把意识形态置于专业标准之上，导致道德高地凌驾于艺术本身之上。同时女性艺术家、非裔、原住民或少数族裔和跨性别/酷儿主题作品得到特殊的青睐和照顾。过度强调身份政治让艺术偏离审美与形式探索，成为道德或政治诉求的工具，英国评论家Jonathan Jones就曾称“政治正确杀死了现代艺术”。

 

在展厅的外墙，贴着阿奇博尔德奖历年精彩作品的宣传画，这些画作精彩纷呈，给人强烈的视觉冲击和艺术感染力。这些用不同艺术手法绘制的肖像画中的人物形形色色，年龄性别不同，姿态神情各异，但是她们的眼睛却都温和坚定，深不见底，眼神中带着某种说不清的悲悯与洞察，如暮色中映着微光的湖水，沉静却能激起人心最柔软的涟漪。在这些寂静的画面里，时间仿佛凝结。人物的沉默比言语更有分量，像是一首首静默的诗，读者无需言传，只需凝视，便可体会那从画布深处缓缓流出的灵魂温度。相信那些所谓“政治正确”的干扰只是历史进程中的小插曲，真正有份量的画作自然能够流芳千古。