牧牧的梦呓
清流从不争，涓涓万物洗
下一季的收藏？
过去的几十年来，随着越来越多由出版商和设计师委托拍摄的时尚照片在博物馆、画廊和藏家府邸获得一席之地，商业摄影与艺术摄影之间的界限愈渐开放。
在时尚摄影的黄金年月（20世纪30至50年代）以此为生的摄影师受邀拍摄的照片正渐次成为珍贵藏品。事实上这一时代的主要人物（理查德·阿维顿[Richard Avedon]、赫尔穆特·纽顿 [Helmut Newton]以及仍然活跃的欧文·潘[Irving Penn]）受邀拍摄的照片中已在拍卖场卖到6位数。以纽顿的《她们来了》（Sie Kommen）（巴黎［裸体及着衣］，《时尚》工作室）为例，该作品描绘了一群模特身着时装昂首阔步走来，旁边是一幅同样的照片，而同样动作的同一群模特却是裸体的。这幅照片在1981年法国《Vogue》杂志上声名大噪，在2008年12月的佳士得纽约拍卖会上该作品的一版以66.25万美元的成交价再掀波澜。这个价格是商业摄影作品在拍卖场上的最高纪录。相比之下，如今该领域最受欢迎的从业者不顾其深远的文化影响，而不断竞争以寻找更加广泛的市场。
比如尤尔根·泰勒（Juergen Teller），他引领了20世纪90年代的“粗俗美学”，如今创作不避瑕疵的快照风格的照片，与大多数时尚摄影师不同的是，他从不对照片进行润饰。他是莱赫曼·茅平（Lehmann Maupin）画廊的代理艺术家，在那里他的一幅应邀拍摄的肖像照可卖到1至5万美元。尽管他的作品被收藏，却并不像人们对于一位有如此影响的人物所期待的那样随处可以买到。“他的作品确实不在拍卖场上出现，”画廊负责人大卫·茅平（David Maupin）说。泰勒至今只有5次拍卖记录，每次都以低于1,000美元的价格成交，并且每次都是同一幅照片：《艾琳（Erin）》（巴黎，2004），此为泰勒为德国艺术杂志《艺术文本（Texte zur Kunst）》拍摄的特稿，并洗印了100版的非同寻常的大数目。
当代时尚摄影并非后继无人。看看声名显赫的美国摄影师斯蒂芬·克莱因（Steven Klein）2005年为《W》（被摄影评论家文思·阿莱提［Vince Aletti］誉为美国最激动人心的时尚杂志）拍摄的60页摄影作品，他拍摄的布拉德·皮特（当时刚与詹妮弗·安妮斯顿离婚）与安吉丽娜·朱莉以一对貌合神离的城郊夫妇的形象出现。这一系列作品使得克莱因的名字出现在此类媒体上时都享用粗体字的殊荣。其中一幅《安吉丽娜与布拉德，个案13号，作品10号（Angelina and Brad, Case Study #13, Image 10）》中，朱莉身着晚礼服露出厌倦的神色，而皮特身着20 世纪50年代风格的西装。这幅照片最终在2007年5月佳士得伦敦拍卖会上以1.92万英镑（3.7882万美元）成交。
若说市场对当代时尚摄影的欣赏过于迟缓，一些世界权威艺术机构对其的推广与赞誉则远为迅速。2004年纽约现代艺术博物馆（MoMA）举办了该馆首个时尚摄影展“1990年以来摄影中的精工细作（Fashioning Fiction in Photography since 1990）”。参展的那些引人注目的天才中有英国摄影师克雷格·麦克迪恩（Craig McDean），他靠为英国出版物《i-D》和《The Face》供稿起家；驻纽约的史蒂文·梅塞（Steven Meisel），《Vogue》杂志的定期供稿人；泰勒；以及艾伦·冯·恩沃斯（Ellen von Unwerth），因其20世纪90年代以克劳迪娅·希弗（Claudia Schiffer）为模特为Guess Jeans拍摄的照片而成名。
而后，在2007年，伦敦国家肖像馆（National Portrait Gallery）举办了展览“时尚的面孔（Face of Fashion）”，集中展示了6位摄影师拍摄人像作品的特别手法：驻伦敦的莫特·阿拉斯和马库斯·皮戈特（Mert Alas and Marcus Piggott）二人组合；驻巴黎的摄影师保罗·罗弗斯（Paolo Roversi），20世纪70年代他通过拍摄《Marie Claire》而开始其时尚摄影生涯；生于那不勒斯的纽约人马力欧·索兰提（Mario Sorrenti），他于1993年为CK迷情香水拍摄的照片使当时的模特凯特·莫斯(Kate Moss)一举成名；以及柯琳·黛（Corinne Day），她在《The Face》1990年某期上刊登了以 Moss为模特的处女作。由此，该馆委托黛拍摄一幅与该展览同时的莫斯肖像作为其永久收藏。由此产生的9幅快照捕捉了模特与黛交谈时种种自然的表情（见本期封面）。
而1月在纽约国际摄影中心（ICP），“时尚之年”——ICP的卡罗·斯奎尔斯（Carol Squiers）和客座策展人阿莱提策划的六个系列展盛大开幕。在近期展出，将持续至3月3日的4个展览中，有爱德华·斯泰肯（Edward Steichen）1923年至1937年任《Vogue》和《Vanity Fair》首席摄影师期间的商业摄影作品个展，以及“怪异之美：当今时尚摄影（Weird Beauty: Fashion Photography Now）”，其中包括当代摄影中的大腕克莱因、20世纪80年代受《i-D》青睐的尼克·奈特（Nick Knight）、梅塞、罗弗斯、挪威的索威·桑德波（Sølve Sundsbø）、泰勒，以及近年来为Abercrombie & Fitch雾朦朦的广告栏和宣传册提供图片的布鲁斯·韦伯（Bruce Weber）这几位摄影师的样片和放大装框的摄影作品，在5月15日，“阿维顿时尚：摄影1944-2000（Avedon Fashion: Photographs, 1944-2000）”将成为该馆的王牌展览。
近期，在米兰，由时尚设计师多米尼克·多尔奇（Domenico Dolce）和斯特凡诺·加巴纳（Stefano Gabbana）承接、建筑师让·努维尔（Jean Nouvel）任艺术总监的展览“时尚中的至美（Extreme Beauty in Vogue）”于3月4日在拉吉奥尼宫（Palazzo della Ragione）开幕。展览将持续至5月10日，将回顾《Vogue》杂志上75年来由阿维顿、安妮·莱柏维兹（以《Vanity Fair 》拍摄人像而知名)、克莱因、潘等人的摄影作品。
当代时尚摄影作品同样也出现在摄影博览会上。12月在巴塞尔迈阿密艺术博览会（Art Basel Miami Beach）期间举办的艺术摄影博览会（Art Photo Expo）上，第二度展销会“时尚摄影（In Fashion Photo）”中有35位时尚摄影师的250件作品登场，包括以其高度风格化的、具有颓废的魅力的照片闻名的英国摄影师迈尔斯·阿德里奇（Miles Aldridge）；以其为香奈儿这类客户拍摄艺术和商业人像闻名的法国摄影师贝蒂娜·兰斯（Bettina Rheims）；以及桑德波。据该展会组织者弗朗索瓦·特拉贝尔西（François Trabelsi）透露，这些作品的价格居于4,000至10万美元之间。
然而，并不是许多经营者都有经营当代时尚作品的历史。一些值得注意的例外包括纽约的斯泰里·维斯画廊（Staley-Wise Gallery）和伦敦的汉密尔顿画廊（Hamiltons Gallery），这两家画廊主要展示旧照片。这种寥落的现象主要由于时尚图片在藏家眼中只因其历史距离感而获得价值，新的照片尚无阿维顿和潘那种经典作品的古色。同样对市场起到限制作用的是商业摄影师通常每天拍照片获得的报酬比他们通过经销商卖一件作品获得的报酬多。并且他们中的一些专攻纸媒体上印刷效果炫酷的图片。比如梅塞，“全是为杂志拍摄的作品，”阿莱提说，他指出梅塞几乎所有的作品都是为意大利《Vogue》（由弗兰卡·索珊尼（［Franca Sozzani］）任编辑，卢卡·斯托皮尼[Luca Stoppini] 任艺术总监）拍摄的，那本杂志通常安排给他多达30页的篇幅，并给予他许多美国出版物无法提供的创作的自由度。
商业摄影师当然同造型师、编辑和设计师一道工作，这种合作或许使一幅作品的原创版权问题更为复杂化。法定所有权问题在20世纪 70年代被简化，斯泰里·维斯画廊的塔基·维斯（Taki Wise）表示，当时契约变更，版权归摄影师所有。时尚摄影师为自己的作品创造市场时仍面临挑战，包括确定洗印版数。维斯表示，艺术摄影师有时将其作品限定在3到5版。而很多时尚摄影师也准备这么做。“他们希望被人当作艺术家，他们希望在画廊界抢眼并被收藏，”阿莱提说。种种迹象表明如今时尚摄影师已经开始赢得此类尊重。
去年冬天，纽约库克美术馆（Cook Fine Arts）首次展出当代作品，包括阿德里奇和另一位英国摄影师西门·艾米特（Simon Emmett）的作品，价格分别在5,000美元和4,500美元上下，与阿维顿等人的经典摄影作品一同展览。“有些非凡的摄影作品恰恰是时尚摄影作品，”画廊负责人斯考特·库克（Scott Cook）说。“如果我们定期展示，人们会开始购买它们。”
生于康涅狄格州的大卫·拉卡贝尔（David LaChapelle）曾在斯泰里·维斯画廊和纽约的托尼·沙弗拉兹画廊（Tony Shafrazi Gallery）办展，展出其华丽性感的时尚摄影和非商业性摄影作品。2006年斯泰里·维斯画廊“意大利《Vogue》图片展”中的作品完全是前一种类型。而沙弗拉兹画廊去年秋天的展览“天真预言（Auguries of Innocence）”中则包括关于政治和战争的三维装置作品，比如《圣战（Holy War）》（2008），一件在回收的纸板上激光打印的数码作品，并配有音频和视频电子设备——一些明显无法转化为照片的内容。
克莱因在洛杉矶的高古轩画廊（Gagosian Gallery）和纽约的迪奇计划（Deitch Projects）展出了他的名流肖像商业摄影作品，包括为《W》拍摄的皮特和朱莉的照片。2006年在布鲁克林的韦塞尔+奥康纳美术馆（Wessel + O’Connor Fine Art）的展览包括一组他为《W》拍摄的时尚设计师汤姆·福特（Tom Ford）与一队男女模特欢跃时的作品。
泰勒的作品展定期举办。他应邀“表现”威尼斯双年展乌克兰国家馆，他打算将这个国家当作《W》时尚照的内容来表现，将人像、时尚图像和纪实风格的影像混合在一起。他2008年2月在莱赫曼·茅平画廊的展览将展出《W》中作品的洗印和放大装框的版本。他2006年在莱赫曼·茅平画廊的展览“纽伦堡（Nürnberg）”则完全来自其个人史。这一系列作品捕捉了这座泰勒幼年成长于斯、并且他自己的家庭也有一段四年多的时期生活于斯的城市的变化（有一幅表现了曾作纳粹集会之用的现已朽坏的阅兵场）。“他对当代视觉文化是如此重要，” 茅平说。“他是一位观察力超群并有着特殊的观看事物方法的艺术家。”
对如今的一代人而言，时尚摄影师中两个更为明显的美学源泉是纽顿的作品和于1991年逝世的法国摄影师盖·伯丁（Guy Bourdin）好玩而另类的作品。伯丁对卖作品没什么兴趣，所以他的市场中充斥着他去世后洗印的作品。他的拍卖纪录是2008年5月在伦敦菲利浦斯拍卖行（Phillips, de Pury & Company），他于1978年为鞋商查尔斯·卓丹（Charles Jourdan）拍摄的作品系列中的一幅（表现的是一名穿高跟鞋的女子，腰部以下的部分横陈于沙发背上）以8,750英镑（1.7254万美元）成交。
尽管阿维顿和潘那种优美而典雅的作品如今已较少具备风格上的影响力，然而这两者仍作为市场上的主流先锋而赢得赞誉。阿维顿 1945至1965年任职，《Harper’s Bazaar》的摄影师，在那里他深受传奇艺术总监阿莱克希·鲍多维奇（Alexey Brodovitch）器重。他通过展示其模特的动态（跳下路缘石或在台阶上旋转）改变了拍摄时尚的方式。阿维顿时尚作品的天价出现在2007年4月的佳士得拍卖会，一组11幅的作品《时尚（Fashion）》以24万美元成交，远远超过其5万美元的估价，而其最高拍卖纪录是产生于2005 年的46.4万美元，同样是在佳士得纽约拍卖会，拍品是一组4幅的披头士肖像。去年10月，苏富比纽约拍卖会上，原刊于《Harper’s Bazaar》1955年9月刊的《多维玛与大象（Dovima with Elephants）》（晚礼服由Dior提供，冬之马戏团馆（Le Cirque d’Hiver），巴黎，1955）以18万美元成交。这幅照片太标志性了，维斯说，“它已成为阿维顿的终极作品。”
要说潘的“终极”时尚摄影作品，该是他的《黑白〈时尚〉封面（简·帕特希特）（Black and White Vogue Cover (Jean Patchett)）》（1950）。通过几何化和图形化的冲击力，这幅照片充分发挥了这种媒介创造抽象图案的优势。它确实曾使《Vogue》杂志卖得更好，如今该作品的一些版本已经卖到了6位数：一幅该作品1976年的铂钯印像（platinum- palladium impression）在2008年4月佳士得纽约拍卖会上以48.1万美元成交，成为艺术家第二高的拍卖成绩，仅次于同一场拍卖会上其拍摄于1948年的非商业性人像摄影作品《库斯科儿童（Cuzco Children）》52.9万美元的成交价。
潘在20世纪40年代初期任职于《Vogue》，在艺术总监亚历山大·李伯曼（Alexander Liberman）手下工作，如今仍持续为该杂志拍照供稿。他创造了一种新风尚，将模特置于朴素的背景前，以突出时尚自身而非其周围环境。纽约佩斯/麦克吉尔画廊（Pace/MacGill Gallery）（该画廊代理潘这位92岁高龄的艺术家的作品，价格在3至100万美元之间）的彼得·麦克吉尔（Peter MacGill）表示，最热销的是几件他的时尚摄影作品，如拍摄其妻子兼缪斯丽莎·芳萨格莱芙-潘（Lisa Fonssagrives-Penn）的《小丑裙（Harlequin Dress）》（1950），这件1983年的作品在2007年伦敦菲利浦斯拍卖上卖到20.4万英镑（40.6455美元）。“这家伙有份工作、并将它视之为一份工作是件好事，但拍这些照片也是他的乐趣，”麦克吉尔说。
或许正是这个准则使潘能够在其毕生的作品中全然消除艺术与时尚的差别。“他的任何作品之间确实都没有差别，”麦克吉尔说。“它们都非常受欢迎，只取决于寻觅它们的人。”这无疑是无数当代时尚摄影师都愿达到的效果。
