学习小结一：歌剧名词 序曲 (overture)在歌剧一开始由管弦乐队演奏的器乐曲。作曲家常常在这里采用歌剧中重要咏叹调的旋律素材，并给以观众剧情暗示，如喜剧或悲剧性质、情节发展脉络等。有些较长的独立完整的序曲经常在音乐会上演奏，但有些序曲则很短，实际上只是一个前奏。 间奏曲 (intermezzo)在歌剧各场间由管弦乐队演奏的音乐。有些较为独立完整的间奏曲也会出现在音乐会上。 咏叹调 (aria)歌剧中的独唱段落，用来抒发人物情感、表现演唱技巧。是歌剧中最为重要的歌唱形式。 宣叙调 (recitative)又译作朗诵调，是歌剧中用来对话和叙述剧情的、介于歌唱和朗诵之间的独唱段落。在17、18世纪歌剧中，宣叙调和咏叹调是有明确区别的，通常是在宣叙调之后，才出现大段的咏叹调，但后来这两者的界限逐渐被打破了，宣叙调加强了歌唱性，咏叹调也带有了朗诵的性质。 谣唱曲(cavatina)也译作卡瓦蒂那，是咏叹调的一种，它较为短小，结构上是单段性质的(咏叹调aria常常是带有返始的三段体)。 重唱 分为二重唱(duet)、三重唱(terzetto)、四重唱 (quartet)、五重唱(quintet)、六重唱(sextet)、七重唱(septet)、八重唱(octet)。重唱在歌剧中是十分有效的手法，它可以使几个人同时用各自的特性音调歌唱，或表现同一内容，或表现完全不同的内容，造成生动的戏剧性和立体化的效果。 合唱 (chorus)歌剧中的合唱往往能够造成戏剧高潮，烘托出宏伟的热烈的气氛，并与细腻抒情的独唱造成对比效果。有些歌剧中的合唱曲成为音乐会上重要的曲目。 主导动机(leitmotiv)在歌剧中作为某一人物、某种事件、观念或者象征某种物件的音乐动机，它是鲜明的“标签”，作曲家通过它的反复出现来昭示剧情的发展。瓦格纳是最喜欢并擅长使用主导动机的作曲家，此外威柏、理查·斯特劳斯等人也运用这种手法。柏辽兹把这种手法用于交响曲中，称之为“固定乐思”(idée fixe)。 舞曲 (dance)在歌剧中常有舞蹈场面插入，其舞曲有些是独立完整的，因此常常在音乐会上演奏。在早期歌剧中(尤其是法国歌剧)，为了迎合人们的趣味，常常加入与剧情并无多大关联的舞蹈场面。后来通过改革，舞蹈场面和剧情有了紧密的联系，它成为歌剧的有机组成部分(也有许多歌剧没有舞蹈场面)。
学习小结二：重点了解咏叹调 声乐音乐咏叹调西洋歌剧、神剧或康塔塔等戏剧中一种极富抒情性、戏剧性的独唱乐段。一般篇幅较大，音域宽，技巧性强，用于集中表在人物的风心活动。用管弦乐队或键盘乐器伴奏。咏叹调（aria）的词义就是“曲调”，运用始于17世纪初，与朗诵式的宣叙调相对，结构效自由。 在十七世纪末，随着歌剧的迅速发展，人们不再满足于宣叙调的平淡，希望有更富于感情色彩的表现形式而产生的。因此从诞生之初，它就在各方面与宣叙调形成对比，其特征是富于歌唱性（脱离了语言音调）、长于抒发感情（而不是叙述情节）、有讲究的伴奏（宣叙调则有时几乎没有伴奏或只有简单的陪衬和弦）和特定的曲式（多为三段式；宣叙调的结构则十分松散）。此外，咏叹调的篇幅较大，形式完整，作曲家们英雄有用武之地，还经常给演员留出自由驰骋的空间，让他们可以表现高难的演唱技巧。因此，几乎所有著名的歌剧作品，主角的咏叹调都是脍炙人口的佳作。当时，对宣叙调感到乏味的听众非常喜爱咏叹调，以致到咏叹调的18世纪时，其结构变得程式化，一般为A＋B＋A'的复三部曲式结构，特别是在意大利那不勒斯乐派的歌剧中。过于严格的程式化，阻碍了剧情发展，格鲁克在其歌剧改革中打破了这种格式。咏叹调在歌剧中占有很重要的位置，可单独作为音乐会曲目。一些歌唱性较强的器乐作品也称咏叹调，如巴赫的《布兰登堡变奏曲》主题等。 到了现代，情况有了很大的变化。如在瓦格纳的后期歌剧中，不论宣叙调还是咏叹调，都不像前人的歌剧那样拘泥形式、严格区分；他将两者融汇贯通，成为声乐线条，按戏剧情景的需要自由运用。瓦格纳以来的歌剧趋向于大量使用宣叙调，只有极短的经过句用咏叹调格式；同时，乐队部分则起到主题延续和展开的作用。
学习小结三：美声声乐和美声唱法 在人类声乐艺术的发展历史上，Bel Canto是最重要的发展主线，Bel Canto应翻译为“美好的歌唱”，在我国一般译为“美声唱法”。《格罗夫音乐词典》、《牛津音乐词典》及《辞海》中都从各个角度，用各自的方法对此进行了阐释。《辞海》中说：“Bel Canto是17世纪产生于意大利的一种演唱风格。它以音乐优美、发声自如、音与音连接平滑匀净、花腔装饰乐句流利、灵活为特点”。Bel Canto自产生以来，经历了数百年发展，已具有深刻的内涵。它既是科学的发声方法，也代表着歌剧发展中的—个重要的历史时代、一种音乐风格和一种歌唱风格，同时也贯穿着规范的歌唱技能技巧的一种发声训练法，因此，也可视为“美声学派”。作为科学的声乐学派，Bel Canto自产生，经历了历史的考验，才逐渐形成了完整、系统、科学的发声方法和演唱风格。“美声”的诞生，是有各个方面的原因和前提的。 美声唱法实际上是从西欧专业古典声乐的传统唱法发展起来的，从文艺复兴以后逐步形成美声唱法。当时的西方音乐更多是建立在多声部教堂音乐、复调音乐基础上，唱法本身脱离不了宗教音乐的影响。 南女唱法一样，只是声部不一样，高低不一样。最初的歌剧以阉人代替女声来唱，由女中音代替南青年来唱。随着歌剧剧情的发展，一些情感激烈的戏剧性唱段，阉人的唱歌满足不了表达剧情激烈发展的需要，于是歌唱家们努力探索、钻研、改进自己的唱法，以适应剧情的需要，这样就产生了今天表现力丰富多彩的美声唱法。所以说，不同时代的歌唱形式、风格、情绪、情感不同，歌唱的方法也不同。发展到现在，已不是文艺复兴时的唱法，也不是16、17世纪的唱法，我们现在唱17、18世纪的歌曲，还是用现在的唱法，只是在风格上多注意他们的特点，我们不需要再去训练16、17世纪的唱法。我们今天的唱法，包括欧洲的歌剧、音乐会、清唱剧等舞台上常用的唱法，我们统称之为美声唱法。 美声来自意大利文Belcanto,意思是美好的歌唱。Belcanto在西方音乐界的定义和我们的理解有所不同，西方对Belcanto的理解指的是由作者家罗西尼（Rossini）、多尼采蒂（Donizetti）、贝利尼（Bellini）等人那个时期的作品和歌唱艺术，它包括了那个时期歌唱的风格、技巧、内容、形式以及歌唱方法。美声唱法实际上不是只讲声音，在它发展的历史进程中，有过各种不同的现象：有一个时期只讲声音，既不注重歌词也没有“味儿”；有一个时期以炫耀技巧为主，脱离内容；有一个时期也曾改变过要以内容为主, 我们接受美声的传统是主张声情并茂地歌唱，不主张为声音而声音的歌唱，只要求“情”而没有适应歌剧音乐会所需要的声音，有音乐素养的观众也是不喜欢的。
学习小结四：歌唱的质感 声音究竟要靠前还是靠后，中国声乐界至今莫衷一是，多次讨论。下面从生理到效果对其做精练的说明。 许多朋友有这样的体会，发现在国内声乐观念的差异很大。不明白为什么在歌唱中声音究竟要靠前还是靠后的问题国内的专业界一直不能统一。理论上谁也不爱窝着唱，可做起来却是非常随意的。其实声音靠前有它的科学道理。首先我们人说话的声音是靠前的，尤其汉语，我们听起来也自然，亲切。几乎没有一个人正常说话时声音是靠后的，除非那些学过声乐，而且声音概念不对的，才说起话来拿腔作调，而且听起来也极不舒服。其次靠前的声音有它的生理原因，靠后唱一般情况下会使舌头后缩，会使喉肌后缩。声音实际上就是一种音流，音流出来以后要往外送，这才符合生理规律。如果音流已到了喉头部分，要往后去，就可能会形成音流的回流，整个会窝在里面，声音怎么会传送出来，好多学不好声乐的学生，就是脑子里有一个根深蒂固的概念，好像这样唱才是美声。如果这样唱的话，长此以往就会唱出毛病，而且也不符合生理规律。再者，声音靠前常有它的物理规律，我们都知道声音要传，但是往哪儿传呢？很明显是往前传，声流越是送出来，就越会冲击外面的空气，那么，穿透力就越强。唱歌就是让观众来听的。所以，声音理所当然要传给观众，谁见过观众坐在自己身后？难道我们演唱时要背对观众，往后传才有穿透力？显然，应该是声音往前传送，传送得越远，观众听得就越清楚。这个道理应该人人皆知。声音是一种声音的流，经过胸腔产生胸腔共鸣，经过口腔会产生口腔共鸣，最后声音上到头腔，产生头腔共鸣。这所有的音流，要想传送出去，就必须像抚摸一样，从下往上，抚摸胸腔，抚摸口腔，抚摸头腔，经过喉头时，咽腔不振动也不行。这一切的一切，都是在前面进行的，没有道理把声音放在后面。学生之所以怕往前唱，就是怕声音苍白，其实苍白本身并不是错，错就错在没有把声流放在一个合适的通道上，如果声流放在一个合适的通道上，声音肯定不会这样。而且这样的声音有质感，声音会很纯，很干净。而且穿透力非常好，传得远。要做到这一步是非常困难的，所以我们从小就要打基础。平时所说的打基础，就是打中声区的基础，在力所能及的情况下，在自然音量的情况下，去舒舒服服地唱，在声音发白的情况下，逐渐地把腔体调整好。声道在前面自然声音的基础上，逐渐拉长，让声音不会很白。在这里，一定是自然的声音，千万不要往后送，我们要的就是音流的振动在我们身上的具体感觉，让音流抚摸胸腔，我们就会感觉到胸腔共鸣。千万不要使劲，我们为了将来能很好地唱好高音，就一定要打好温柔地唱胸声的习惯。随着声音的增高，音流也在逐渐拉长，音越高，音流就会越长，音流长了，声道就要配合好，声道也要拉长。声道拉长的外在现象是喉头的放下，口腔的打开，要配合音流的拉长，在音流拉长时，千万记住，音流还在温柔的抚摸胸腔，只不过是音流已经到达了口腔，要尽量到达硬口盖，往往好多人就是在这个部位，让音流拐了弯，拐到后头去了，其实我们想象的音流应该是直上直下，就一直往上走，你的感觉在这个时候，千万不要去做调整，怕的就是往后调整，这样的话，声音就会改变，会发闷。下面就该到所谓的换声区了。实际上每个人在唱高音时，声带都会不知不觉地变薄，变短。在这种情况下，我们还要始终坚持温柔地抚摸的感觉，尽量感觉不用力地唱高音，当你感觉不用力的时候，实际上就不会加外在的多余的力量，如果有了外在的力量，声带就不会很好的工作，所以，你要给他自由，不能牵制它。随着音流的拉长，我们的腔体会拉得更长，因为是高声区，腔体要配合好。口腔在此时一定的大的，让腔体带着音流至达脑门，靠前的高位置的头声就因此而来。在这个温柔的训练音流的过程中，声带就像橡皮筋儿一样，有韧性的得到了锻炼。在这个过程中，始终坚持用声答拉紧的感觉去唱，我们要的就是这种声带唱高音区的能力，如果躲开了，声音的质感也就会没有了，而且高音也会柔弱无力，坚实的高音一定来自坚实的声带。假声不可取。我想，以上大概是声乐训练的过程，当然还不全面，仅是个大概。以上的练习过程，始终坚持温柔的流动的气息，产生振动的音流。 开放的声音正是这种理念的结果，也只有开放的声音才会有穿透力，而且吐字也清楚，会清晰的传到观众耳朵里，为什么有些唱美声的吐字不清，就是他把声音全靠后了，当然字也就吐不清了，所以观众听的时候只能听到声音，而听不清吐字，唱完一首歌也不知道唱的是什么，也难怪观众不喜欢美声唱法。所以声乐说起来也并不神秘，只不过是把它复杂化罢了。
