丁绍光学术报告会---当代艺术的责任

丁绍光学术报告会---当代艺术的责任 

2017-11-06 丁绍光艺术诊断下的艺术场域

国际艺术大师海外华人美术家协会名誉主席丁绍光先生网络教学交流（第24期）  

主持人语：

文稿经授权由王玉辉根据本人讲话录音记录（录音记录：李超）整理，文中小标题系整理者所加。文稿未经本人审阅。

丁绍光老师受母校云南艺术学院的立项项目，国家艺术基金资助，云南现代重彩画人才培养项目邀请，2017年8月2日，在云南艺术学院学术报告厅，对项目学员、项目任课教师、有关机构代表、部分在昆艺术家作了有关（当代艺术的责任）题下的学术报告。

国家艺术基金资助项目云南现代重彩画人才培养负责人

云南艺术学院教授王玉辉

丁老师认为，各个时期艺术的责任不同，艺术家的责任也不同。

丁老师说：我主要想在艺术思想这方面对同学们能够起到一些启发作用。我讲的有几个关键词：一个是责任、一个是自由、一个是包容、一个是原创。

作为一名艺术家要有责任感，它来源于对弘扬中华悠久文化的使命感，也是源于一个艺术家所面临的特有的生涯规律，要紧跟时代，为时代服务，否则就会被时代所淘汰。

另外我还想强调智能时代的提前到来，在人工智能时代，我们文化的思潮和文化水平非常重要。

 

中国要成为文化大国

我们讲中华民族的崛起，作为艺术家，有责任把中国的文化向世界传播，让人心悦诚服的接受，成为主流文化。中国人口占世界人口的四分之一，由这样一个人口的比例形成主流文化、国际性潮流，任何人不能否定不了。在世界的发展中，不能没有中华民族，但需要做很多的努力。世界历史上四大古国中，只有我们中国延续至今。历史上，中国曾长期是世界上最繁荣的国家。

我们回顾一下历史，从秦始皇一直到乾隆时代，中国一直是世界第一强国，在武则天时代，中国国民经济的总收入占到世界百分之七十，到了乾隆时代是百分之四十。为什么从乾隆以后开始没落，我大概讲讲这个关系。从工业革命开始，中国应该是最具备工业革命的条件，但因为封建王朝这么多年的统治，失去了这样的机会，西方在乾隆时代开始工业革命，但乾隆把中国的大门关了六十年。举个简单的例子，火药，这是中国人的发明，我们拿去做鞭炮了，而西方把它制作成了洋枪弹炮，八国联军打北京的时候几千人，他们只死了6个人，杀了我们成千上万的百姓。把圆明园世界上最好的皇家花园烧的一干二净。这个教训我觉得是很沉重的，从那个时候中国开始落后。

直到近几十年，中国改革开放后又开始富强起来，经济上开始飞跃。但是作为一个强国，要体现在五个方面：工业大国、金融大国、科技大国、军事大国、文化大国。实现这五强，都是不简单的，这五个坡都要爬，不等于说是工业大国、经济大国了------就等于是文化大国了。这当中最难的是文化大国。中国有很好的根基，但今天我们的文化是不是已经在世界上成为主流？在文化现象上很重要的一点，你不能强加于人，用武力、用经济、用政治不行，必须让世界各个国家心悦诚服的接受。我们今天的文化，离这一天还有很多的路要走。

中国文化源远流长、博大精深，我们要有自豪感。郑和下西洋、古丝绸之路把中国的文化传向西方，中国的瓷器、茶叶、丝绸震撼了世界！甚至把CHINA当成中国的名字。今天要继承弘扬中华文化，要传播到世界上，被世界接受，应该是一种怎样的状态呢？它不是强加于人，不是以势压人，也不是以强国的经济、军事压人，也不是以金钱压人，而是真正叫人家感动，叫人家心悦诚服。实现中华民族真正的复兴，我们要创造一个属于世界的、能够震撼世界、在世界形成主流、让世界无法忽视的中华主流文化。

 

美国的文化战略

二战后欧洲很贫穷，美国富裕，美国制定了援助欧洲的马歇尔计划，开始了援欧计划。美国在援欧计划里拿出5%资金资助艺术，把美国艺术推向欧洲。除了美国政府，还有一百多个基金会出钱，比如福特基金会、洛克菲勒基金会都参与进来，把美国艺术包装出去。用3M作为守则：市场(Market)、博物馆(Museum)、媒体(Media)。通过欧洲的市场，广泛的建立博物馆，通过媒体将美国艺术推向高潮，如洪水猛兽一般席卷了整个欧洲。同时成立了一个世界个人主义大会，与以苏联为首的社会主义阵营组织的共产国际针锋相对，

把美国有影响力的艺术家推向世界，打造美国成为文化强国。而第一个推出去的画家就是可以在历史上站住脚的杰克逊·波洛克（Jackson Pollock），他是美国本土画家，年轻时曾做过墨西哥三大壁画巨匠里维拉的助手。我看过他的画真的很佩服，有人说他的画是在乱泼，那可不是。他的颜色、色调的确很准确。大家听说过一个故事，他曾住在离洛杉矶不远的河滨县（Riverside County）一个荒郊小镇，居住后留下一些画。后来一个老太太是一名卡车司机,在别人家的车库用5个美金买了他的一张画。若干年后她到画廊去卖，被发现是杰克逊·波洛克的，画廊出300万要买，她一听认为不能乱卖了，后来在拍卖会卖了7000万。二战后美国把杰克逊·波洛克推向欧洲，很快好评如潮，一夜间登上《时代周刊》，铺天盖地，把他当作民族英雄。美国强调个性解放，苏联强调艺术为政治服务。美国和苏联对着干，开始了文化冷战。

 

这个时代需要创作出好的有个性的作品

工业革命以后，有一个和我们绘画非常有关系的就是摄影的发明，在19世纪摄影没有出现之前，纪录人物形象的方法就是人物画像，画家有一种神圣的地位。摄影的发展实在是太迅速了，取代了画家画人物画像的地位。摄影的发展很快就发展电影，电影从黑白电影到有色电影，从无声到有声。这个记录人的音容笑貌的手段变化不得了，对绘画艺术有所冲击。有些画家开始考虑了我的画应该怎么画，我的出路在哪。为什么今天画家还能够有一席之地，是因为别的艺术形式代替不了。作为个人也一样，如果你画的画被人都能代替，那么你也没有存在的价值。

过去人们都是以对眼睛看到的世界来画画，有的画得好些，有的画得差些，再加上人的性格、气质、修养等等的差异，作品有所不同，但总的都是眼睛看得到的景物的再现。现代艺术之父塞尚说：不要再画眼睛看到的世界，要画心灵感受的世界。大家听到这句话都不感到陌生，因为中国画就是这样。高更非常清楚的说：眼睛不再要看着古希腊、古罗马，应看着东方。由于绘画理念的不断演进，加上近现代绘画手段受到冲击，艺术家们寻找新的表现手法，出现了印象派、抽象派，开始画心灵感受的世界。特别荣幸的是，东西方文化开始融合，这是我的一个基本观念。为什么呢？因为中国画的意境对他们有启发，中国画的线条受到尊崇，被普遍运用。

在这种情况下，一个很重要的高潮，现代美术运动开启了，出现了一批非常杰出的艺术家，个性鲜明、风格突出。对古典艺术、古典美学进行了彻底颠覆，艺术的各种可能性都做了探索。艺术中形式美的法则，每一位艺术家都在挖掘，出现了空前的百花齐放，从前期印象派到后期印象派，塞尚、高更、梵高，从毕加索、马蒂斯到夏加尔，这些画家每个人都有非常清楚的风格和面貌，这一点特别值得中国画家思考。

艺术家要非常强烈的表现出个人风格，要对艺术、美术、艺术美学、艺术的形式学各种进行了广泛的探索。在西方，艺术科学在现代美术运动到来之前有三个高潮：古希腊、意大利文艺复兴、资本主义上升时期。意大利文艺复兴以米开朗基罗为代表，到资本主义上升时期出现了一些很重要的艺术家：古典主义、从拉斐尔到大卫，浪漫主义从籍里柯到德拉克罗瓦，现实主义库尔贝，前期印象派马奈、莫奈、毕沙罗，后期印象派：塞尚、梵高，留下很多美好的作品，这些都是人类的财富。出现现代美术运动绝不是对前面的否定，但现代美术运动对我们来讲非常重要，现代美术运动真正传到中国，我们晚了八十年。在我们的艺术院校开始教现代美术这些技法应该是80年以后，现代艺术的这些东西还没消化，当代艺术就进来了，中国的画坛有些失语状态，包括我们非常有名的前辈赵无极、吴冠中对什么是当代，也不说话。但今天我们在坐的没有一个说我不作当代艺术家，每个人都想成为当代艺术家。什么是当代艺术，你得把这个搞清楚了。我到西方，发现最重要的就是要把东西方进行对比，不对比的话，你永远不清楚东方到底什么是好，不要认为我们是中国人，我们就一定知道中国什么最好。西方现代美术运动有很多东西吸收了我们的营养。现代中国好多画家在模仿西方，包括当代的艺术家搞的艺术样式，全能在西方找到痕迹，我们没有出现一种真正属于我们中国的原创，我们要把西方现代美术运动重要的艺术家进行研究。对中华民族的文化我们要有自信，要通过与西方当代艺术作比较，找到中华民族文化的要害、好的地方，进行发扬光大。

 

留在历史

对于一个艺术家而言，要做到这点，有许多的问题可以探讨。艺术史有两个界限应该分清，一个是艺术发展史，一个是艺术史，两者含义是不同的。前者主要讲艺术的发展过程，各种画家、流派的更迭，也包括许多技术层面的东西，如绘画技巧、材料的进展等等，这主要是记录性的，历史上出现过哪种现象，就把它记录下来。而艺术史讲的就是真正艺术层面的东西，那就是可以在历史上站得住脚的画家和他们的绘画风格及作品。

  翻开艺术史，真正能在历史上站住脚的有多少？现在回想一下，可谓凤毛麟角。有多少人都被历史淘汰了。历史无情，可以说整个艺术史就是一部淘汰史。据说前期印象派画家全世界有25000多人，留下几万幅作品。但真正能站住的有多少人呢？我们脑子里留下的有马奈、莫内、德加、毕沙罗、雷诺阿、西斯莱-----等人，是非常有限的。这些人在历史的大潮中像突然崛起的巨石，稳稳站住，而多数人都是随波逐流，不久就被人们淡忘了。为什么这些画家能在艺术史中被肯定？第一是因为这个流派就是他们创造的，从他们开始才有印象派，再就是有的在画技上达到了登峰造极的程度，值得一书。

 由此我们可以联想到，作为一名艺术家都要努力在艺术的长河中发一份光辉，有所创造，有所作为，负一份责任，而不要做匆匆过客，被历史淘汰。

 

自审创作的心态

自由，很重要，艺术家没有自由还怎么创作，自由我觉得分为主、客观自由。我们现在的好多不自由都是主观造成的，特别是画中国画的人比较明显，总是身后站满了老祖宗，包括当代名家都站在后面看着你。真正的自由我觉得还是从人的内心，从中国来讲，历史上大概有三种类型的自由：一、宁为玉碎不为瓦全——屈原，不妥协，所以屈原才能写出那么好的东西；二、陶渊明，不为五斗米折腰，他的才学当官毫无问题，但他寄情山水，所以他宁可生活贫困、寄情山水才写出了《桃花源记》；三、是在“体制内”的，承认现在的体制，在体制内洁身自好——曾国藩、王阳明。自由，我觉得是很重要的，我们要找到真正的自由。我想到陀思托耶夫斯基，著名的俄国作家，他说，“你是谁？”，“你到底是谁？”鲁迅把这个问话称作对灵魂的拷问，你要搞不清楚你是谁，你很难往前走。在西方，我觉得很多艺术家都是这样，我们中国人就不是这样，缺乏内在精神，不做精神贵族，那艺术就是苍白的。民国时期，鲁迅造就了一种新的精神贵族，拿笔当刀，戳向中华民族灵魂最丑恶的所在。鲁迅那句话讲的好：我已决定一个也不饶恕。对民族的大恨反应的恰是对民族的大爱，只有无情的鞭打自己，才能进步。阿Q精神，你想我们中国人那个身上没有阿Q，我觉得我就有。比如本来就是不对的，但会找各种理由、借口。画家也这样，要找很多的理由，把很多的责任推到别人身上，所以我觉得真正的自由在于自己。属于自己的自由要自己去争取。

美国出了一本书，书名叫《智慧书》，是十七世纪的哲学家葛拉西安写的，出版面世后立即闯进了美国十大畅销书的排行榜。它提出人生犹如一出三幕戏剧：第一幕是和逝者的对话，和历史上精英分子对话、学习古人；第二幕是与生者交流，与同时代人交流，向身边人学习，同董其昌“读万卷书，行万里路”是一样的；第三幕是和自己谈心，葛拉西安认为第三幕才是最伟大的一幕，而与自己谈心并非易事，很多人的悲剧、失败都是由于他拒绝“与自己谈心”。在这风云变幻、纷杂、旋转的社会舞台，你置身出场了几幕人生？更重要的，你能保持经常与自己谈心吗？自省，逆向思维，敢于否定自己，你才能勇往直前。卢梭有一本《忏悔录》在西方影响很大，西方的艺术家经常做忏悔，中国历史上很少有这样的人。中国文人经常找各种借口原谅自己，比如在富与贵、物质与精神、艺术和生命中有很多纠结，你是可以找很多理由把自己原谅，这就是没有认清自己，找不到自己。要有独立的人格自由的精神，就要经常反问自己——“我是谁？！”。人的一生是一个不断塑造自我的过程，它在肯定、否定、否定的否定中不停的追求与思考中升华。人类的潜能、素质如深深的海洋，在每一个人的心灵深处，都有一处在休眠状态下的“超级矿藏”，这是每个人自己独具的内在力量，需要我们投入巨大的勇气去开发。俄国作家屠格涅夫说，“在一切天才之上，我敢说重要的是称之为自己声音的一种东西，是生动的、特殊的、个人所特有的声音，这些音调在其他人的喉咙里是绝对发不出来的”。穷一生之力，寻找自我，正如石涛所说，“独行，不求伴侣，你才可能真正创造有价值的个人风格、智慧与面貌”。死神不至，生命不息。

 

原创艺术的意义

美国在30年代，成立了黑山艺术学院，艺术教学方法与中国现代的院校教学方法是完全不一样的，国内特别强调基本功训练，每天不停的画，手上功夫很强。黑山艺术学院的很多教学方法是启发性的、强调学生的独立性，独立思考、独立学习、独立造型，推动了当代艺术的发展，当代艺术其实是从黑山艺术学院开始的，它培养了一批优秀的当代艺术家，比如抽象表现主义艺术家、行为艺术艺术家，等等。

大家可以对美国黑山学院做一下研究。黑山学院是怎样进行艺术教育的呢？和我们中国的美术教育那真是对着干的。中国学院派强调基本功，我曾看到过一篇文章，讲美院学习素描分为三个阶段，看完以后我有很多感受，有正面的，也有反面的。从正面讲，扎扎实实，第一阶段是用分面的办法画素描，表现体积。苏联马克西莫夫（KonstantinMaksimov）到中央美院办了一个学习班，讲人身上有多少骨头和肌肉，解决了素描体积和结构的关系问题。这说明学院派对素描下了多大功夫，这是一个方面，但从另一个方面讲，其实这些个骨头和肌肉对艺术有多大的关系？从真正艺术的角度又有些可悲。一名美术老师一辈子研究这个学院派技术，并没有进艺术的大门。真正搞艺术的不能停留在技术这个层面。许多画家没有进过学院大门，但他们画得很自由。真正经过学院派教育以后，从形成的框框中跳出来是不容易的，它像一个魔爪抓住你。我在加州大学教过书，在中国也教过，我觉得中国艺术教育强调的是基础，强调基本功，西方的教育基本不强调这些，强调原创，这两个东西是应该结合的。我觉得中国传统美术界的优势，中国作为传统工匠大国包括我们的艺术教育，强调基本功，这是好的，不是坏的。问题在于不要把自己拴住，而是应该以此作为基础，进行原创。所谓原创不是改良，原创就是创造历史上没有的东西，而且带有强大的生命力。我举个原创最有说服力的例子，大家现在都在用数码相机，彻底地把胶卷打掉了，它比胶卷优越得多，胶卷彻底完了，这就叫原创。而不是你做可口可乐，我又做一个什么可乐比你还好喝。绘画上我们需要的是原创，原创从哪来？

新的科技基因生物工程、人工智能，一日千里，迅猛发展。而今天科技的发展对我们画家的震动，比起十九世纪、二十世纪初摄影的出现、电影艺术的突飞猛进对现代画家的震动要强烈百倍、千倍，只是我们许多人浑然不觉。今天，量子卫星拍下的整座城市，每一个人放大就如近在眼前，就连车牌号都看得清清楚楚，720度高空摄影，出现了如中国画长卷的形式。电影特技在电脑的参与下，人类以前绘画中几乎所有的技巧、形式、美感，都以动态出现在巨大的屏幕上，从具象到抽象、从场面到特写、各种对比手法、人类视觉所能辨别、感受的种种因素都已通过镜头展现在荧幕上，加上文学、音乐、舞蹈作为一种综合的艺术形式，不仅是视觉，而是对人眼、耳、鼻、舌、身，整个感官的震撼。神秘、宁静、庄严、恐怖、悲哀、欢乐、孤寂、死亡、冲动、无奈等等等等，人类所有的感受都强有力的出现在荧幕上。我曾经一度失去画画的信心与信念，思来想去我终于有所醒悟，美术不会消亡。电影镜头不就是动着的画面吗？许多画面的组合拍摄，原创者还是画家。认真思考一下，分析一下，不难发现有些电影的蒙太奇手法还是来自一些世界绘画大师的技法。法国印象派电影，采用了的前期印象派的色调与色彩对比，美国科幻大片你可以看到，超现实主义大师达利的身影。简单讲，电影已经充分利用了前人美术家的成就。当代电影还没有出现运用当代的美术的作品，还有待当代艺术家去创造。电影美术、电影美学已是美术的一部分，而美术不会也不应该被取代，但我们也应该了解其它姐妹艺术的发展，去思考与挖掘世界艺术的新领域，加强美术的视觉冲击力，以适应当代人视觉感受的需求。在宏大久远的人类史中，艺术始终以意想不到的创新方式拓展着人类的发展，哲学与艺术一直是走在前面的先行者，人是思想躯体和灵魂的结合，人之所以立于天地间，成为万物之灵，是因为站在想象力、感受力、思想的岩石上。知识带来力量，理想带来希望，信念坚定意志，这三根支柱可以让人类立于不败之地。

 

中国历史文化的时代意义

我最近看了一个视频，讲纬度，站在什么纬度和高度，是很重要的。大家都很清楚，我们现在看到的是三维，是立体世界。一维是一条线，二维是个面，三维是个体积，现代的科学在研究四维。四维时维度发生变化，走向另一个纬度。现在的摄影、电影也都在研究这个问题，空间感在破，四维影像已经出现。

对世界的俯视，对于纬度是无限的，这在中国艺术里是很重要的，大家可以用心琢磨一下。西方学院派的角度是定点透视，通过我们的眼睛看过去所能看到的世界，这样对绘画来讲，他们有很大的局限性。而中国的绘画，是以大观小，把整个宇宙放在笔墨之中，所以才出现了中国的长卷形式。大家知道的长江万里图、清明上河图，这些都不是一个定点透视所能解决的。他也不是一种单纯的俯视，而是一种天马行空式的、高度自由的状态。按照西方的说法，这不符合艺术的科学，但是符合艺术的本质。当西方人把艺术的科学去掉，走到艺术的本质的时候，中国的绘画理论应该是对西方艺术一个很重要的贡献。长江万里图可以把长江几千里的重要人文地理环境，从它发源直到入海整个过程都囊入，这是西方美术不可能做到的。

中国文化有许多方面对世界有启发。中国易经现在懂的人不多，外国人发明计算机时用的二进位制就是受它的启发。他们搞基因组合，也是受到易经六十四卦的影响。中国文化许多好的东西值得我们继承。四大文明古国的文字，许多已经没有人能懂，只有中国的文字延续至今，这也是为什么其他文明古国衰落唯有中国仍延续的一个原因。中国的书法，特别是狂草，拿给外国人看，他们会很激动，在他们眼里这就是抽象绘画。

我看过一个电视节目《最强大脑》，把15个单独的图像重叠在一起，就变成了抽象的图像。上个世纪20、30年代，出现了抽象表现主义画派，出现了一部分很重要的抽象画家。对这部分人我觉得应该很好去研究，应该去继承。中国画家赵无极、朱德群，他们的画就是抽象表现主义，但也可以看到中国的人文精神。历史上，中国绘画有许多东西值得今天借鉴，去思索。比如明朝的董其昌有一个观点，提出笔墨本身的艺术，把笔墨从表现大自然的绘画中脱离出来，笔墨超越了自然本身，这就是西方所研究的形式美感，艺术的形式美。再往后发展，到了石涛的时候，他看了八大的画，非常赞叹激动，认为八大的画已经不是自然，他指着天说：上有天然，他对八大的画的评价是“淋漓千古”，已经到了中国艺术的最高境界。实际我觉得无论怎样革新演变，都离不开庄子哲学讲的“道法自然”。中国画讲N维，其他维度总还有个数字，与N维相比就都是零了。看到八大的画以后，可以说绘画走向抽象是一种必然的趋势。这里我想说，不要单看画的表面是不是抽象，大家看到达利的画，手法局部非常写实，但整体是抽象。技法是技法，不要以为看不到形状就是抽象，要看内在。老子讲大象无形，就是内在抽象。无论古今，无论中外，凡是达到最高境界时都是统一的。中国古代哲学有很多可以挖掘，增加我们的想象力。比如儒家讲入世、佛家讲遁世、道家讲出世。中国古代神话中的争斗、天人合一等等，都可以增加我们的想象力。

 对于一个中国画家来说，起码两个脉络要搞清楚，一个中国，一个西方，一个民族的，一个当代的。刚才我讲站在什么纬度、什么高度看世界，要想办法从三维向四维发展，想办法突破四维的局限，出现一个新的空间。这样的话，我觉得你自己就会变，不是技法，不要以为画写实的以后就画不了了，关键是内在表现上代表什么。每个画家都应逐步形成自己独特的视角和画风。

 

中国民族文化的时代意义

在我们对待中华民族文化时，有一个容易犯的毛病，画画的人只注意研究文人画，看到太多的都是文人画，而对于民族民间艺术的广泛性不太注意。这点应该打破，必须打破。西方博物馆不只是把文人画摆在那里就是中国艺术，而其他工艺品就不是，而是把所有的东西加在一起作为中国艺术来呈现。中国第一次震动世界的艺术是瓷器艺术，中国艺术应该是个整体，要全面继承。除了和绘画有关的以外，包括哲学、音乐、文学所有的东西都要全面继承，而且要抓住他内在的核心。如这次敦煌壁画在洛杉矶展出，外国人排长龙等候参观，中国当代什么艺术展外国人会排长龙去看吗？马王堆、三星堆、秦始皇兵马俑挖掘出的文物，真正震撼世界的是这些东西，还包括云冈石窟、敦煌，是这些震撼世界，而且西方人把它们看作是中国艺术。我的老师庞熏琹曾经有一个很大的愿望，要写一部没有一个人名的美术史，这让我非常震撼，是我脑子里一直在想的，所遵循的一条路，那就是没有一个人名的中国美术史，那就是写民族美术史。今天想想，这些创造敦煌壁画、云冈石窟、麦积山的艺术家，把毕生的精力献给美术，难道他们不是专业的吗？你说他是业余的，那是很不客观的。

 

我思故我在

我们的美术要表达什么？画什么？要搞清楚。这次威尼斯双年展，我看到标题很高兴，标题是艺术永生，体现了用人文主义的眼光看待世界。现在，我们这个世界为了物欲，为了经济发展，环境被破坏得一塌糊涂，如果再不挽救就完蛋了。所以我们要表现什么，站在什么角度很重要。要站在世界的高度，站在国际的高度来衡量，但也不用担心会脱离民族的文化，你们的根在中国，还是民族的。应该了解全世界的动态，了解现代整个科技的发展，然后跟上这个潮流。先把主题搞清楚，这种主题应该是带有全球性的题材，应该是全人类共同专注的事物，要找这样的题材去画画。

现在科技的发展，已经把我们绘画的各种可能性变成了现实。画画要怎么画又到了一个考验。能不能被代替，我认为我们的绘画是不能被代替的，原创就是要有颠覆性。牛顿讲过：“我不过就像是一个在海滨玩耍的小孩，为不时发现比寻常更为光滑的一块卵石或比寻常更为美丽的一片贝壳而沾沾自喜，而真理大海却任然在我的面前，我无法解开她的秘密。如果说我看得比笛卡尔更远些，那是因为我站在了他巨人的肩膀上”。牛顿从笛卡尔的著作中受益匪浅。“我思，故我在”，这就是一个伟人的思想境界。学而有思，学而不思是可悲的，无知之思会使思想漫无归宿、远离真理之路，不仅可怕而且危害更大，不仅害己而且害人。

我们要学习前人，要找到真正巨人的肩膀，那是经过历史考验，经得起千斤重担，永远屹立不倒、高山大石般巨人的肩膀。比如三星堆，秦始皇兵马俑，敦煌艺术，顾恺之的《洛神赋》、与吴道子一脉相承的《八十七神仙卷》、《朝元仙仗图》，八大山人天人合一的绘画境界，石涛的“笔墨当随时代，法无定相，气概成章”的高论，这些就是真正的巨人的肩膀。如果你选错了肩膀，你会跟着他一起跌入万劫不复的深渊。

我们要把我们中华民族的文化作一个全面的继承，所有与艺术有关的门类都应该进入美术史，这都是巨人肩膀的东西。顾恺之：画乃吾自画；神似；中国绘画刚开始走的是一种象征性的，讲求神似，和西方走的科学化的道路是两回事，它不符合艺术的科学。长卷：相比摄像，中国的长卷“天马行空”，是一种更自由的创作状态。所以好的东西我们要去继承。董其昌提出的美学，走现在现代美术运动的前面，他把中国画的笔墨从表现自然的环境，表现了独立的笔墨本身的美学。八大的画到了天人合一的境界，一气呵成、无迹可寻，法无定向。踩在巨人的肩膀上，你的艺术修养才能达到一个水平。个人的风格，绝不是从法别人风格的衍变。要无限忠实自己内心的声音，人的大脑里埋藏着一个空间，有宝藏你要把它挖掘出来。留下的都是什么人呢：画派的原创者；在画派中登峰造极的创造者。

艺术家的原创性，在今天越来越难，现代的原创不是要求改革，我们这么多年画画走了很长的路都是在搞改良，改良是走不通的。刚才讲到了中华文化的全面提升，在这个基础上我认为应该把全世界的文化和东方文化作比较，你才会明白中华文化的特点，对比当中才会看出差别。现代艺术向东方靠拢但绝不等于臣服东方，在日本的时候有一个很重要的批评家向我提出这个问题，他为日本人不平。大家知道梵高有一幅自画像的背景是日本的浮世绘，他就很不服气，因为现代艺术运动的影响，这张浮世绘版画现在卖到了一百万，但是梵高这幅画可以卖一个亿。梵高让东方的东西从内而外变成了自己的东西，梵高的画像火在燃烧，充满了热血与激情，和手工制作的版画是两种概念，他用的只是日本的造型，赋予的却是梵高划时代的艺术生命。

 

文化的知本时代

1990年，美国一位著名未来学家出版了《权力的变异》一书，阐述了世界历史上权力的三大要素：（一）低级权力是暴力，用恐怖统治，叫力本位。（二）中级权力是金钱，以资本主义为标志，叫金本位。（三）现在高文化时代，高级权力是知识，叫知本位。知本位的兴起出现了像比尔盖茨这样的知本家，已经开始奏响了新世纪的序曲。

爱因斯坦预言过，“文化制胜时代崛起，想象力比知识更重要”。过去我们判断人，首先是智商，后来又增加了情商，如今应当加上一个更重要的——想象力智商。西方学者认为，人类新的感受力是追求幸福的能力，幸福将代替温饱，将是未来人类最主要的生存需要，我们应当重新建构一个教育体系，把知识的获取和占有向增加想象力、感受力转变，使人更具有灵性来应对迅猛崛起的人工智能潮流。概括中国文化，是修身、静心、养性的哲学，以灵性、悟性去了解、感受、想象宏观世界、微观世界。以大观小，是指人的心胸肚量要大，能承载宇宙万物，包容万象。以小观大，对天地、对人类、对万千生灵要有敬畏之心。

现在是个什么时代呢？爱因斯坦说：想象比知识更重要。实际上，人工智能已经发展了，最近有一本书叫《未来简史》，它已经在预言40、50年后，人类百分之九十以上的行业会被人工智能代替。人工智能能不能代替我们的艺术，代替我们的文化，如果代替了我们怎么生存。从影视的角度，有很多现代的科技，现代科技是可以把很多绘画效果都充分表达，但是美术在人类史上往往是走在前沿的东西，会突然出现一些很好的东西，启发人类，所以说人类的文化，人类的发展、艺术的发展，人工智能是绝对不能代替的，为什么不能代替呢，我觉得人类他有他的感受力，他有悟性，有灵性。人工智能能不能代替原创呢？原创充满了感情的一种灵性。智商、情商、想象力。其实包括电影的发展全部有绘画的痕迹。画家的很多功能，首先是原创以后，他们再用机械去复制。今后的艺术教育应该更多的进行感受力教育，而不是知识。

 

云南重彩画的责任与意义

我觉得云南的画家特别可爱，特别朴实，每个人都有自己的追求。

云南重彩画要往艺术上走，不要往装饰上走，否则会庸俗化。云南画派是美国人提出来的。80年代，在云南不仅是风光美，美术圈子也非常团结。相对来讲比较开放，比较接近国际，比较研究现代。后来我觉得粗制滥造的太多了，我们要严肃对待云南画派，对待云南重彩画。举个例子，克里姆特，他有装饰手法，指他的风格的一种表现形态，关于艺术的要求他都做到了，他的艺术有内涵、有深度、有自己的感情、有主题。要研究灰色调，不是艳丽的就是好的，在人物造型，在所表现的内容上都要下功夫。个人面貌非常重要，你选择一种风格以后，应该是去深入的挖掘。

就色彩来说，我谈下自己的体会。色彩分为随类赋彩、环境色彩、纯度提炼及平面色彩四个点。要用于突破自身局限性，特别是辨别色彩的能力对于学习艺术是非常重要的。适当去寻找些灰色调来打破传统重彩的局限性。对于色彩方面，德拉克罗瓦，人类历史上第一个用色彩画画的人。色彩的感染力非常强，在他之前的人没有进入到环境色的色彩表现，就等于绘画没有了情绪，没有了空间意境。德拉克罗瓦第一次在人类历史上展示了色彩语言，他辨别色彩的能力非常强，能辨别2000多种色相。这就是所讲的第一点，固有色，从德拉克罗瓦的画出现了冷暖色差的变化。到前期印象片解决了色彩冷暖关系，到梵高，整个过程色彩都是在燃烧，到毕加索，解决纯度对比。

我到了美国以后，他们对我们中国画家有很大的成见，他们不相信中国画家能够适应西方画坛，对西方画坛会有什么贡献。我开始看博物馆，而且我在美国这样一个环境里开始研究中国美术。我的方法就是把中国和西方作对比。我到了画坛，第一个感觉就是在美国你要想立脚，你一定要画出非常强烈的个人风貌，你可以画的不成熟，但你的面貌要非常清楚，而且是美国人绝对画不出来的，你要是没有这点，在美国立脚是不太可能。我研究的结果我经常冲动又气愤，西方好多艺术好的作品，我一看，这个东西首先应该是中国人画出来的，吸收了我们很多中国文化元素。现代美术运动在世界美术史上是第一次把美术的美学破坏，各种风格出现，各种形式法则充分研究这样一个过程，而且出现了一批非常有成就的艺术家，这个是人类历史上空前繁荣。人要自信，各行各业，对画家来讲尤其这样。我们哪怕不成熟，但一定要画出非常鲜明的个人色彩，这个要非常明确。

对西方世界最震撼的中国文化是民族民间艺术。你是一个中国人，中国的文化会启发你，在云南，云南的民族文化对你的创作会有影响，当然你要找到你内在的感觉，而这种感觉与你生存的环境、所经历的喜怒哀乐，所读的书，所有东西构成一个总和。

云南重彩画的发展，要研究线的和谐性，要研究线的——平；圆；留；重；变。色彩：色彩的表现要从固有色开始，随类赋彩；到出现色彩冷暖对比，色调；现代艺术出现纯度；再往前奏又出现平面色彩。千万不能把我们的重彩画画成国外的，画成床单五颜六色。西双版纳是人间天堂，人和人之间，人和自然的关系很和谐。在西双版纳满脑子都是颜色。可以找到很多语言。我觉得从我们中国绘画来讲，一个是水墨画，一个工笔重彩。中国的工笔重彩绘画历史上，我们的祖先非常了不起，比如敦煌，就这几个颜色就画出了敦煌，这是很了不起的。题材上：云南，每个民族都有自己的文化，要对自己的文化自信。题材不要局限。造型艺术语言还是要表现一个人的思想深度。这个时代真、善、美，和谐很重要。画画不要仅仅追求表面的形式，绘画应该和内在美结合到一起。艺术家互相之间要拉开距离，个人个性的创造还是很重要的。云南表现民族的艺术打进当代绝对没有问题，只要你去做。就当代来讲，它是前卫的。前卫是指什么呢？人类艺术史上没有过的东西，比如一种美学、一种技法，云南重彩画一定要取乎其上，要有理想。

艺术就是这样，会有局限性，把局限性发挥至极，也能画出来你的特色。我们要把局限性变为优点。

美国有一个观念，我不给你谈地域、我不给你谈时间，我不给你谈历史，我就给你谈今天，你不要给我谈昨天。人的生命是这样、人类历史长河也是这样，都是由昨天、今天和明天排列组合而成，这三个当中，只有今天是个实体，不要做今天的匆匆过客，主宰今天，在今天播种的人，明天才有收获，要无休止的耕耘下去，要相信中国老百姓的话，“种瓜得瓜，种豆得豆”，播什么种子，开什么花，结什么果。尼克松回忆录说“我们每个人必须把每一天当成生命的最后一天，努力使每一天活得有价值。昨天是今天的昨天，明天是今天的明天，所以一天就是三天。”我们要理解他这种把实体的今天当三天过的生命哲学，作为对云南重彩画的勉励。

项目协办单位：

云南省美术家协会

云南省美术馆

深圳观澜美术馆

河南省美术馆

昆明袁晓岑美术馆

曲靖市美术馆

西双版纳州美术馆

云南艾维集团

昆明云隐西山文化传播有限公司

云南省美协重彩画艺委会

西双版纳傣族自治州美术馆

上海言兑文化发展有限公司

云南当代重彩画艺术研究院

 

项目艺术顾问：丁绍光

项目顾问：

王江红  云南省文化厅副厅长

黄映玲  云南省文学艺术家联合会副主席

 

项目领导小组：

组长

郭 浩 云南艺术学院院长

罗 江 云南省美术家协会主席

 

项目领导小组成员：

马云华  云南省民族艺术研究院院长

云南省国家艺术基金云南管理领导办公室主任

潘  红  云南艺术学院副院长

魏美仙  云南艺术学院科研处处长

杨  鹏  云南省美术家协会副主席

陈  流  云南艺术学院美术学院院长

曹  悦  云南艺术学院美术学院副院长

王凯琪  云南省美术家协会副秘书长

 

项目学术主持：陇艺梅

媒体支持：

雅昌艺术网-云南站

云南艺术学院学报

云南画报

云南日报报业集团影响力杂志社

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