法国印象派画家 Pierre-Auguste Renoir（25/02/1841-03/12/1919）

Pierre-Auguste Renoir, Victor Chocquet, 1876

Signature de Renoir

Dance at Le Moulin de la Galette (Bal du moulin de la Galette), 1876, Pierre-Auguste Renoir

雷诺阿

雷诺阿 ( 皮耶尔 · 奥古斯特 · 雷诺阿 Pierre-Auguste Renoir, 1841 年 ——1919 年 ) 法国
印象画派的著名画家、雕刻家。

最初与印象画派运动联系密切。他的早期作品是典型的记录真实生活的印象派作品，充满了夺目的光彩。然而到了（ 18 世纪） 80 年代中期，他从印象派运动中分裂出来，转向在人像画及肖像画，特别是妇女肖像画中去发挥自己更加严谨和正规的绘画技法。

 

生平

1841 年生于 法国 中部偏西的城市利摩日，父亲是一位裁缝，母亲专做妇女的连衣裙。

1845 年，雷诺阿随全家人一起到了 巴黎 。到了上学的时候，雷诺阿进入了一个 基督教 教友会创办的学校。它设立在一个旧修道院的附属建筑物里。他从小做事认真，对于识字、拼写、计算，莫不如此。不过，突出的才能还是表现在绘画方面。由于家庭生活并不宽裕，为了节省纸张，他常常用父亲画衣服样子的粉笔，在地板上作画。对此看到眼里的母亲，为他买了练习本和铅笔，她认为自己的孩子 “ 将来会搞出点名堂来 ” 。

雷诺阿在音乐方面也具有天赋， 音乐 教师古诺（后来成为著名的作曲家）认为他的声音极好，适合于唱男中音，在这方面大有发展前途。古诺不仅单独教给他如何识谱、演唱，而且指导他作曲，经这位老师推荐，雷诺阿进入了圣艾弗斯塔来教堂的合唱团并参加了演出。古诺还请出了修道院的院长，专门到雷诺阿的父母那里，动员他们的儿子去学音乐。在古诺看来这是一位未来的伟大的歌手。

1854 年，一位瓷器作坊的老板，提出可以接收雷诺阿为学徒，这个行当又很为父亲所欣赏，很快地雷诺阿就成为了这个作坊的学徒工。由于他心灵手巧，不久就开始在 瓷器 的边缘上画一些花纹，后来又转向了人物画。这一段经历对于培养他分辨色彩和提高绘画技巧，起到了重要的作用。出色的工作，使他成为学徒中的佼佼者，为此，他拿到了 120 法郎的月工资。为了提高自己、开阔眼界，中午他抽出时间到卢浮宫去观摩那些 艺术 大师的作品，自己作速写。晚上，有时还到雕塑家的工作室，去画下所看到的作品图形。此时，和他一起打工的学徒给他起的绰号是 “ 鲁本斯 ” 。自从 4 年之后出现了用机器瓷器画后，雷诺阿的工作量大为减少，只是偶尔为一些特殊的订货作画。过了不久，瓷器作坊倒闭。

离开了瓷器作坊之后，雷诺阿到了一家手工艺作坊，在扇面和防雨窗帷上画画，监摹到上面。此外，也为在巴黎的二十多家咖啡馆的墙壁画过装饰画，包括到巴黎郊区枫丹露森林中去写生。他认为 “ 用铅笔画上几笔，要比空洞的大道理更有价值 ” 。他的体会是 “ 一时不动画笔，手很快会变得僵硬 ” 。

1862 年 4 月考进了美术学校。

1864 年 4 月，他通过了多次考试、在透视、素描、写生等几种比赛中，他都是顺利地通过，他还参加了学院派的瑞士画家格莱尔的工作室学画。在这里，他遇到了莫奈、巴齐依、西斯莱，并且成了好朋友。大画室里除去在画架上作画的人之外，就是隔玻璃窗的裸体模特儿。经济上拮据的雷诺阿，时常拾起废弃的颜料管，挤出所剩的颜料画画。格莱尔讲话不多，作风比较 民主 、学生比较自由。画室里存在着不同思想的争论。 巴齐依 、西斯莱反对学院派的保守思想，而 毕沙罗 、莫奈更为激进，他们主张完全抛弃对前辈大师的研究，只从大自然中汲取教益。雷诺阿虽然赞同他们的基本观点，但有一定程度上的保留。当丢勒提出应该烧掉 卢浮宫 的时候，雷诺阿持不同意见。在是热衷于自己的直觉，还是沉醉于大师的教诲这一矛盾面前，他始终采取了回避的态度。有一次，格莱尔问道：你好像是为了取乐而画画的时候，雷诺阿的回答是：假如我不是为了寻找乐趣，我就不画画了。

1864 年初，画室关闭。从此，他与 西斯莱 、巴齐依、 莫奈 同样地走上了边创作、边自学的道路。

autopotrait 1876


经历

自从雷诺阿完全放弃了装饰画之后，他就与莫奈住在一起。他们的生活十分清苦，有一段时间，吃的主食是用画换来的菜豆，吃的蔬菜是含 淀粉 的。所挣的不多的钱，主要用来支付画室的房租、模特儿的工资、买烤火用的 煤 。这一时期保留下来的作品有他父、母的肖像，《狩猎的黛安娜》等。 1863 年，他的作品《舞女埃斯米拉达》入选官方沙龙，这幅画后来被他自己毁弃。

1864 年夏，这些走上了自己探索道路的年轻画家，先后到了巴比松村附近的夏依搞创作。有一次，在雷诺阿作画时，遭到游人的取笑，巴比松派画家狄亚兹为他解了围。同时，这位装着一条假腿的画家，指出了他画面上着色偏黑，并慷慨地告诉雷诺阿可以随意使用他的颜料。接受了这位前辈大师的忠告以后，他的画开始变的明亮。此时的雷诺阿为德拉克罗瓦、柯罗、库尔贝、马奈的作倾倒。尤其是与库尔贝的结识，对于他走上现实主义的通道起到了重要的作用。在枫丹露森林中作画的年轻画家中，没有谁比雷诺阿更接近于库尔贝。 1866 年，他在马洛特村完成的作品《安东尼大娘的客栈》，从题材到人物描绘的，朴实无华、用色偏暗，显然是受到了库尔贝画风的影响。

在枫丹露森林中作画的雷诺阿，由于注意力高度集中，以致林中好奇的鹿站在一旁竟全然不觉，只是当他站起身来检查画面效果，将鹿吓跑后，他才得知。据他自己说鹿有时扒到了他的肩上，向自己的脖子吹气，有时还把他的面包吃掉。在这里他的得意之作。画面上是一位打着洋伞的女孩，身穿白纱衣裙，手戴手套，站在树林里。是一幅有阳光照射和阴影的风景中的人物画。《丽莎》与《西斯莱夫妇》，尽管仍有库尔贝的影响，但这已是确定了画家个性的画作。在作品中，他不使用线条，而是以明暗层次来表现形体。

1869 年，雷诺阿与莫奈一起，在巴黎人常去游玩的青蛙塘这个地方，画了《青蛙塘》，他的自由的手法，表达了自己瞬间所感到的日光变幻中的景物，以及色调，是他的 “ 印象主义时期 ” 的画作。

60 年代末期，雷诺阿常去盖尔波瓦 咖啡 馆。那里集聚了革新派画家，谦逊而稍带神经质的这位画家，不怎么在那喧闹的场合里发言，对于那些理论性的问题，他也不感兴趣。在他看来生活是美好的，绘画是生活中的重要部分，以他的睿智去捕捉生活中那些美好的事物，给以体现，也就够了。而不论别人如何。他乐于创造调子欢快的作品，他只承认自己是个革新者。尽管与伙伴们同样地鄙视官方艺术，但也对自己作品在沙龙落选表示惋惜。他认为争取在沙龙展出作品是很自然的事。雷诺阿曾对丢勒 · 吕厄说过： " 我之参加沙龙，完全是一件商业事务，这就像某些药品，它既没有什么益处，它也没有什么害处。 " 又说 " 在 巴黎 ，难得有 15 个美术爱好者喜欢那些不为 沙龙 所接受的画。 " 在 1864 、 1865 、 1868 、 1870 年的沙龙中，都有雷诺阿的作品入选。

1870 年，雷诺阿应征入伍，到了波尔多的军马配种场。当那里的一位军官知道了他是画家之后，提出叫他给自己酷爱美术的女儿上一点课。在这位军官调到比利牛斯山的塔布之后，雷诺阿也随之到了那里，进入了骑兵团。普法战争结束后，他回到了巴黎。

在巴黎，他可以得到画肖像的委托，和在他的画室里摆姿势的 模特 ，巴黎悠闲舒适的生活、高雅的女士、可爱的儿童，这一切都是他所爱好的。在他画人物时，他的弟弟爱德蒙一会向过路的男士问时间、一会拦住一位女性打听道路，乘他们交谈之际，迅速地将人物的形像记入了自己的画本。有的时候，他也到塞纳河畔的阿让特伊，与在那里租下了一间房子的莫奈一起画风景。两位画家同样地运用小圆点和小笔触来表达画面的明暗层次，使所表现的物象具有在画家心目中独有的特点。在这里，雷诺阿也为莫奈画了 肖像 ，他是最喜欢为同伙画像的，西斯莱、塞尚都作过他的模特儿。

在 1874 年印象派画家第一次联合展览会上，雷诺阿的作品受到的责难最少，只是有人反映他的《包厢》 " 画的丑 " ，说他的《舞女》中人物的腿 " 软绵绵 " 。画家自己认为这是把他当作不足挂齿的人的原故。他说： " 不被人理睬是叫人不安的 " 。这个时期里，印象派的画家几乎陷入了填不饱肚子的境地，雷诺阿已经不敢再去光顾他常常去的小饭馆，尽管那里可以记账，因为什么时候能还，一点把握也没有。

艰苦的物质生活并未影响雷诺阿对于生活的热爱，欢乐、愉快几乎贯穿于他的全部创作活动之中。 1876 年的《烘饼磨坊街的舞会》，及 1881 年的《游览后的午餐》是这方面的代表作。对于发现、挖掘现实生活，画家乐此不疲，他常常说 " 必须随时准备出发去寻找新的题材 " ，他在这方面的作品，应该说是对印象派的重要贡献。在出外采风时，如他所说 " 随身只带一把牙刷和一块肥皂 " 他蓄起了胡子，并不是为美，而是挤出了刮脸的时间去作画。外出吃饭只找小饭铺，住宿就是类似安东尼大娘客栈那样的小店。凡是能够步行去的地方，不坐车。坐火车买的是三等慢车票，在他看来这样不 ?? 富的生活体验，他的作品除去大量的肖像画和裸体画外，也有风景画、静物等。它们大都是易于为人接受，包括一些反对印象主义的人，也无法拒绝。因此，在其他印象派画家作品无人问津的时候，他的画有市场。比如画商马丹，宁愿出 425 法郎买下雷诺阿的《包厢》，而不要毕沙罗的画。在买画的收藏家中，有一位关税局的官员肖凯，开始他靠紧衣缩食省下钱买艺术品，后来继承了一笔遗产，是他最早地发现了雷诺阿的作品，他格外垂青于这位画家的艺术，雷诺阿为他的夫人画了像。 1878 年，他又画了《维克多 · 肖凯肖像》。在一次拍卖行举办的画展上，巴黎富有的出版商夏潘蒂买下了雷诺阿的《河边的渔夫》。后来，画家又为夏潘蒂埃夫人及其子女画了像，（在此前的 1869 年，画家曾为夏潘蒂埃的母亲画过像）。为此，雷诺阿得到了一笔钱，得以租到了一个带花园的房子，屋后的花园可以使他在户外作画，这里也成了朋友们的聚会之所。

1877 年，在开依波特的赞助下，印象派画家联展开幕，雷诺阿参与了会场布置，并提供了 22 件展品。在他的建议下，配合展览发行了小型报纸。 1878 年，还发行了一本名为《印象派画家》的小册子，对包括雷诺阿在内的 5 位画家作了简介。书中认为他是真正的印象主义者，是这个派别的代表人物，并预言他们的艺术将被人们普遍接受。 1879 年，雷诺阿的《夏潘蒂埃夫人和她的孩子》入选沙龙，并获得很高评价。

按照雷诺阿的说法，绘画作品自己 “ 不会走路 ” ，为了观摩前辈艺术大师留在自己国内的名作， 1881 年，他到了意大利。当他看到提香（ 1490 － 1576 ）画的宫女后，激动地说真想上前去吻吻她。拉斐尔（ 1483 － 1520 ）在梵蒂冈的壁画，给他留下了特别深刻的印象。在那不勒斯博物馆，看过庞贝绘画之后，他认为这是用很少的笔触，描绘出了最丰富的色彩。据说随着雷诺阿年龄的增长，他的调色板上的颜料也日益简化，与受到此地画家简陋的调色板影响有关。威尼斯的美、那不勒斯的景色、维苏威火山，都激起了他的创作灵感，从而用画笔将它们一一地记录了下来。

1882 年，雷诺阿患了肺炎，病中他接到了开依波特的邀请，希望他参加第 7 次联展（ 4 、 5 、 6 将均未参加）。雷诺阿送去了 25 件作品。对于 3 月 25 日开幕的这次展览，马奈的评价是 " 发现了印象主义的全部光辉的作品 " 。

自从意大利之行以后，雷诺阿对于 文艺复兴 时期一些艺术大师的作品、以至对于学院派的安格尔的画风有了新的认识。到了 1883 年，据雷诺阿自己说，他的作品 " 发生了一个突变 " ，并认为自己已经走进了印象主义的死胡同。为此，他毁掉了自己的多幅油画。他感到过去在户外作画，过多追求光的现象，忽略了其他，比如画面结构。此后，他的作品中的色彩日趋单纯化，并注意将描绘的形体约束于轮廓中。借鉴了安格尔的技法，回到了传统的表现手法上。在作画时 , 他将要表现景物的细部，先用钢笔仔细地描绘出来再考虑上色。在反思的基础上，他力图摆脱印象主义，尽管此时印象派的作品已经逐步为公众所认可。

在受到了凡尔赛宫的一个水池边上的 浮雕 《宁芙们》的启发下，他先后用了 3 年的时间，于 1887 年画成了一幅 117.8×170.9 厘米的大幅画《浴女们》，画面上人物轮廓线之明显及其色彩，都显示了与过去不同的特点，是画家短暂的 " 安格尔时期 " 的重要作品。这幅大作在画店展出时，受到了观众的称赞。

进入 90 年代以后，总体上看雷诺阿的油画逐渐推动了生气，色彩以橙、红、棕为主，有的人物造型，由于主观的夸张而显得臃肿。在这期间，也创作了一些现实主义的肖像画。

1897 年，在一次骑自行车的途中，他滑进了一个水坑，正好跌倒在一堆乱石上，右臂被摔断，从此留下了后遗症，在右臂打上石膏的时候，他坚持用左手作画。到了转年的年底，右臂已不能活动。从此雷诺阿开始了和病痛斗争的漫长岁月。 1902 年以后，他的右眼神经部分萎缩，风湿又加速了它的萎缩，手指开始蜷缩，已捏不住画笔。后来，又发展到走路不稳，开始是将拐杖头包上 橡皮 防滑，很快又由一支 拐杖 变为两支。到了 1912 年，他已经离不开轮椅，全靠妻子阿里娜照料。即使在这种情况下，画家依然坚持作画，为了防止手被画笔磨破，在手心里垫上一块柔软的布。当人们看到了那畸形可怕的手、和骨关节发出咯咯响声的时候，很难想像这位老画家是怎样作画的，依然如故的是他的敏锐的目光，无论是天空还是飞鸟，或草丛中的小虫，他都明察秋毫。完全瘫痪的后果，愈加激发了他奋力作画的决心。

1915 年，他的夫人死于糖尿病后，雷诺阿每天由厨师从床上将他扶起，帮他坐上轮椅或汽车去作画。再往后是坐在一靠背扶手椅上，两旁捆上竹杠，由人将他拾起到画室或作画的地方，在那里将画布绷到上、下两根可以转动的横木轴上，在作画的过程中，可以作上下调节。 1918 年完成的《浴女图》，就是这样工作的。在雷诺阿去世后，经家属商议决定将该画赠送给卢浮宫，开始时遭到拒绝，当美国人准备买走的时候，当局决定改变初衷决定留下，避免了这件重要的作品流失国外。

严重的疾患、瘫痪的双腿、严重变形的双手都没有迫使这位大师放下画笔， 1919 年 12 月 3 日，临终前他的要求是叫儿子递给他素描用的铅笔。
 

个人影响

综观雷诺阿的艺术生涯，不愧为印象派的先驱，他的早、中、期作品当属印象主义范畴。自 19 世纪 80 年代中期以后，开始与印象主义决裂。总的说来，他既在户外作画，也在室内作画。既注意在一定条件下的光景物对光反射的效果，也并不忽视景物自身的形态。在反对学院派的假想臆造、寻求生活中的实际的同时，也怀有对光、色瞬间变幻的印象的兴趣。他使用明快漂亮的颜色，也关注细致鲜明的轮廓。他既有印象派称道的直接描绘自然界的作品，又有大量颇具个人特色的人物画。与前辈人物画家比较，他的人物画生动活泼、色彩丰富。他经常描绘的对象是妇女和儿童，在他笔下的人物中，看不到忧郁、伤感，而是美好的、愉快的、迷人的。这正如著名作家莫泊桑对他的评价 " 他把一切都看得那么美好 " 。除去中、后期为一些富人和顾客画过一些肖像画外，画中人物主要是亲友、画家、普通百姓、儿童等，表现的是他们的日常生活和平凡的举止。包括其他题材的作品在内，它们多不具有什么重大社会意义，缺少的是批判性的评价，即使是他的人物画，他也并不刻意描述其内心世界，这也许就是画家的追求。

The umbrella ( Les parapluies)  1881-1886
National Gallery London
(我最喜欢的一张画之一）


Girls at the Piano, 1892, by Pierre-Auguste Renoir, Musée d'Orsay, Paris.


On the terrace , 1881, Art Institut Chicago

The Theater Box, 1874 by Pierre-Auguste Renoir, Courtauld Institute Galleries, London

The Swings (La Balançoire) , 1876, Musee d'orsay


Au concert dans une loge à l'Opéra


La Baigneuse en dormi, 1897



Gallery

Julie Manet with cat, 1867	La Grenouillère, 1868, National Museum, Stockholm, Sweden	Portrait of Alfred Sisley, 1868	Claude Monet Painting in His Garden at Argenteuil, 1873, Wadsworth Athenaeum, Hartford, Connecticut
Portrait of Claude Monet, 1875, Musée d'Orsay, Paris, France	Jeanne Durand-Ruel, 1876, Barnes Foundation Merion, Pennsylvania	A Girl with a Watering Can, 1876, National Gallery of Art, Washington, D.C.	Mme. Charpentier and her children, 1878, Metropolitan Museum of Art, New York
By the Water, 1880, Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois	Luncheon of the Boating Party, 1880–1881, The Phillips Collection, Washington, D.C.	Portrait of Charles and Georges Durand-Ruel, 1882	Dance in the City, 1882–1883, Musée d'Orsay, Paris, France
Dance in the Country (Aline Charigot and Paul Lhote), 1883, Musée d'Orsay, Paris	Pencil study for Dance in the Country 1883, Honolulu Academy of Arts	Children at the Beach at Guernsey, 1883, Barnes Foundation Merion, Pennsylvania	In the Garden, 1885, Hermitage St. Petersburg
Girl With a Hoop, 1885, National Gallery of Art, Washington, D.C.	Girl Braiding Her Hair (Suzanne Valadon), 1885	Portrait of Berthe Morisot and daughter Julie Manet, 1894	Gabrielle Renard and infant son Jean Renoir, 1895
The Artist's Family, 1896, The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvania	Portrait of Ambroise Vollard, 1908	Portrait of Paul Durand-Ruel, 1910	Self-portrait, 1910

Nudes

Diana the Huntress, 1867, The National Gallery of Art Washington, DC	Nude In The Sun, 1875, Musée d'Orsay, Paris, France	Seating Girl, 1883	The Large Bathers, 1887, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, Pa.
After The Bath, 1888	Three Bathers, 1895, Cleveland Museum of Art Cleveland, Ohio	Woman on a Couch (Gabrielle), 1906–1907	After The Bath, 1910, Barnes Foundation, Merion Pennsylvania
Woman At The Well, 1910	Seated Bather Drying Her Leg, 1914, Musée de l'Orangerie, Paris, France	Women Bathers, 1916, National Museum, Stockholm, Sweden	Bathers, 1918, Barnes Foundation, Merion Pennsylvania

Petite fille avec un cerceau, (1885)	Sur la balançoire, (1876), Musée d'Orsay, Paris	Les pêcheuses de moules à Berneval, (1879)	Monsieur Fournaise, (1875), Clark Art Institute, Williamstown	La femme à l'éventail, (1880), Musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg	Mère et enfant (1881), The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie
La Loge, (1874), Courtauld Institute Galleries, Londres	La Dame à l'éventail, (1908), Ex Collection Durand-Ruel, New York	Jeune fille à la mandoline (1918), Ex Collection Durand-Ruel, New York	Jeune fille lisant, (1874-1876), Musée d'Orsay, Paris	Mademoiselle Irène Cahen, d'Anvers, (1880), Fondation et Collection Emil G. Bührle	Jeune fille assise (1883), Collection privée, Paris
Gabrielle à la chemise ouverte (1907) Ex Collection Durand-Ruel, Teheran	Buste de femme, (1872-1875), The Barnes Foundation, Merion, Pennsylvanie	Jeune baigneuse, (1892), Metropolitan Museum of Art, New York	Chemin montant dans les hautes herbes (v. 1875), Musée d'Orsay, Paris	Enfants au bord de la mer à Guernsey

Selected works

• Mademoiselle Romaine Lacaux (1864)
• La Promenade (1870)
• Monet Painting in His Garden at Argenteuil (1873)
• La Loge (1874)
• The Dancer (1874)
• Woman with Fan (1875)
• The Swing (1876)
• Lunch at the Restaurant Fournaise (The Rowers' Lunch) (1875)
• Girl with a Watering Can (1876)
• Bal du moulin de la Galette (1876)
• Nude in the Sunlight (1876)
• At the Theatre (La Première Sortie) (1877)
• Madame Charpentier and Her Children (1878)
• Jeanne Samary (1879)
• Acrobats at the Cirque Fernando (Francisca and Angelina Wartenberg) (1879)
• Two Women with Umbrellas (1879)
• On the Terrace (1881)
• Luncheon of the Boating Party (1881)
• The Piazza San Marco, Venice (1881)
• Blonde Bather (1881)
• Alice and Elisabeth Cahen d'Anvers (Pink and Blue) (1881)
• By the Seashore (1883)
• Umbrellas (1883)
• Dance at Bougival (1883)
• Fog at Guernsey (1883)
• Dance in the City (1883)
• Children on the Sea Shore in Guernsey (1883)
• The Bay of Moulin Huet Seen Through the Trees (1883)
• Girl with a Hoop (1885)
• Bathers (1887)
• The Bather (After the Bath) (1888)
• Young Girl with Daisies (1889)
• In the Meadow (1890)
• The Apple Sellers (1890)
• Two Girls at the Piano (1892)
• Vase of Chrysanthemums (1895)
• Coco (1905)
• Standing Bather (1906)
• Nude (1910)
• The Farm at Les Collettes, Cagnes (1908–1914)
• The Concert (1918)

Bibliography

• Claude Roger-Marx (1952). Les Lithographies de Renoir. Monte-Carlo: Andre Sauret. 
• Joseph G. Stella (1975). The Graphic Work of Renoir: Catalogue Raisonne. London: Lund Humphries. 
• Jean Leymarie et Michel Melot (1971). Les Gravures Des Impressionistes, Manet, Pissarro, Renoir, Cezanne, Sisley. Paris: Arts et Metiers Graphiques. 
• Michel Melot (1996). The Impressionist Print. New Haven: Yale University Press. 
• Theodore Duret (1924). Renoir. Paris: Bernheim-Jeune. 
• Paul Haeserts (1947). Renoir Sculpteur. Bruxelles: Hermès.  
  
  
  
  
  
  
  
  

  Auguste Renoir (Pierre-Auguste, dit) né à Limoges 25 février 1841 décédé à Cagnes-sur-Mer 3 décembre 1919, est l'un des plus célèbres peintres français. Membre à part entière du groupe impressionniste, évolue dans les années 1880 vers un style plus réaliste sous l'influence de Raphaël. Peintre de nus, portraits, paysages, marines, natures mortes et scènes de genre, pastelliste, graveur, lithographe, sculpteur et dessinateur.

  Plus intéressé par la peinture de portraits et le nu féminin que par celle des paysages, il élabore une façon de peindre originale, qui transcende ses premières influences (Fragonard, Courbet, Alfred Dehodencq, Monet, puis la fresque italienne).

  Pendant environ soixante ans, il a peint à peu près six mille tableaux, ce qui est un record avant Picasso
  
  

  Pierre-Auguste Renoir est né à Limoges le 25 février 1841, sixième de sept enfants. Son père, Léonard Renoir (1799-1874) est tailleur, sa mère, Marguerite Merlet (1807-1896) est couturière. La famille vit alors assez chichement. En 1844, la famille Renoir quitte Limoges pour Paris, où son père espère améliorer sa situation. Pierre-Auguste y suit sa scolarité.

  À l’âge de 13 ans, il entre comme apprenti à l’atelier de porcelaine Lévy Frères & Compagnie pour y faire la décoration des pièces. Dans le même temps, il fréquente les cours du soir de l’École de dessin et d’arts décoratifs jusqu’en 1862. À cette période il suit des cours de musique avec Charles Gounod qui remarque cet élève intelligent et doué^[2].

  1858 : à l’âge de 17 ans, pour gagner sa vie, il peint des éventails et colorie des armoiries pour son frère Henri, graveur en héraldique.

  En 1862, Renoir réussit le concours d'entrée à l’École des Beaux-Arts de Paris et entre dans l’atelier de Charles Gleyre, où il rencontre Claude Monet, Frédéric Bazille et Alfred Sisley. Une solide amitié se noue entre les quatre jeunes gens qui vont souvent peindre en plein air dans la forêt de Fontainebleau.

  Ses relations avec Gleyre sont un peu tendues et lorsque ce dernier prend sa retraite en 1864, Renoir quitte les Beaux-Arts. Cependant, alors que la première œuvre qu’il expose au salon (l’Esméralda 1864) connait un véritable succès, après l’exposition, il la détruit. Les œuvres de cette période sont marquées par l'influence d'Ingres et de Dehodencq dans les portraits, de Gustave Courbet (particulièrement dans les natures mortes), mais aussi d'Eugène Delacroix, à qui il emprunte certains thèmes (les femmes orientales, par exemple). En 1865, Portait de William Sisley et Soir d’été sont acceptés par le Salon, ce qui est plutôt de bon augure. Un modèle important à cette époque pour lui est sa maîtresse Lise Tréhot : c'est elle qui figure dans le tableau Lise à l'ombrelle (1867) qui figura au salon 1868, et qui suscita un commentaire très élogieux de la part d'un jeune critique nommé Émile Zola. Mais en général, la critique fut plutôt mauvaise, et de nombreuses caricatures parurent dans la presse.

  On sait maintenant par Marc Le Cœur et Jean-Claude Gelineau qui ont publié une communication en 2002 dans le catalogue de l'exposition Renoir à Sao Paulo, l'existence de deux enfants qu'il avait eus au cours de sa longue liaison avec Lise Tréhot : Pierre né à Ville d'Avray, le 14 septembre 1868 (on ignore le lieu et la date de son décès) et Jeanne, née à Paris X^e, le 21 juillet 1870, décédée en 1934.

  Le séjour que Renoir fit avec Monet à la Grenouillère (établissement de bains sur l'île de Croissy-sur-Seine, lieu très populaire et un peu « canaille » selon les guides de l'époque) est décisif dans sa carrière. Il peint véritablement en plein-air, ce qui change sa palette, et fragmente sa touche (Monet va beaucoup plus loin dans ce domaine). Il apprend à rendre les effets de la lumière, et à ne plus forcément utiliser le noir pour les ombres. Dès lors, commence véritablement la période impressionniste de Renoir.

  

  

  Pierre-Auguste Renoir, Victor Chocquet, 1876

  Il expose avec ledit groupe de 1874 à 1878 (ou 1879?) et réalise son chef-d'œuvre : le Bal du moulin de la Galette, à Montmartre, en 1877 (Paris, Musée d'Orsay). Le tableau est acheté par Gustave Caillebotte, membre et mécène du groupe.

  Cette toile ambitieuse (par son format d'abord, 1 m 30 x 1 m 70) est caractéristique du style et des recherches de l'artiste durant la décennie 1870 : touche fluide et colorée, ombres colorées, non-usage du noir, effets de textures, jeu de lumière qui filtre à travers les feuillages, les nuages, goût pour les scènes de la vie populaire parisienne, pour des modèles de son entourage (des amis, des gens de la « bohème » de Montmartre).

  Autour de 1880, en pleine misère (Renoir n'arrive pas à vendre ses tableaux, la critique est souvent mauvaise), il décide de ne plus exposer avec ses amis impressionnistes mais de revenir au Salon officiel, seule voie possible au succès. Grâce à des commandes de portraits prestigieux - comme celui de Madame Charpentier et ses enfants - il se fait connaître et obtient de plus en plus de commandes. Son art devient plus affirmé et il recherche davantage les effets de lignes, les contrastes marqués, les contours soulignés. Cela est visible dans le fameux Déjeuner des Canotiers (1880-81) de la Phillips Collection (Washington), même si le thème reste proche de ses œuvres de la décennie 1870. On peut apercevoir dans ce tableau un nouveau modèle, Aline Charigot, qui deviendra sa femme en 1890 et la mère de ses trois enfants, Pierre, Jean (le cinéaste) et Claude dit "coco".

  Les trois danses (Danse à Bougival, Boston; Danse à la ville et Danse à la campagne, Musée d'Orsay, vers 1883) témoignent aussi de cette évolution.

  Entre 1881 et 1883, Renoir effectue de nombreux voyages qui le mènent dans le sud de la France (à l'Estaque, où il rend visite à Cézanne), en Afrique du Nord,où il réalise de nombreux paysages, et en Italie. C'est là-bas que se cristallise l'évolution amorcée dès 1880. Au contact des œuvres de Raphaël surtout (les Stanze du Vatican) Renoir sent qu'il est arrivé au bout de l'impressionnisme, qu'il est dans une impasse, désormais il veut faire un art plus intemporel, et plus sérieux (il a l'impression de ne pas savoir dessiner). Il entre alors dans la période dite ingresque ou Aigre, qui culmine en 1887 lorsqu'il présente ses fameuses Grandes Baigneuses à Paris. Les contours de ses personnages deviennent plus précis. Il dessine les formes avec plus de rigueur, les couleurs se font plus froides, plus acides. Il est plus influencé aussi par l'art ancien (notamment par un bas-relief de Girardon à Versailles pour les Baigneuses). Lorsqu'il devient papa pour la première fois d’un petit Pierre (1885), Renoir abandonne ses œuvres en cours pour se consacrer à des toiles sur la maternité.

  La réception des Grandes Baigneuses est très mauvaise, l'avant-garde trouve qu'il s'est égaré (Pissarro notamment), et les milieux académiques ne s'y retrouvent pas non plus. Son marchand, Paul Durand-Ruel, lui demande plusieurs fois de renoncer à cette nouvelle manière.

  De 1890 à 1900, Renoir change de nouveau son style. Ce n’est plus du pur impressionnisme ni du style de la période ingresque, mais un mélange des deux. Il conserve les sujets Ingres mais reprend la fluidité des traits. La première œuvre de cette période, les Jeunes filles au piano (1892, une des cinq versions est conservée au Musée d'Orsay), est acquise par l’État français pour être exposée au musée du Luxembourg. En 1894, Renoir est de nouveau papa d’un petit Jean (qui deviendra cinéaste, auteur notamment de La Grande Illusion et La Règle du jeu) et reprend ses œuvres de maternité. La bonne de ses enfants, Gabrielle Renard, deviendra un de ses grands modèles.

  Cette décennie, celle de la maturité, est aussi celle de la consécration. Ses tableaux se vendent bien, la critique commence à accepter et à apprécier son style, et les milieux officiels le reconnaissent également (achat des Jeunes filles au piano cité plus haut, proposition de la légion d'honneur, qu'il refuse). Lors d'une mauvaise chute de bicyclette près d'Essoyes, village d'origine de son épouse Aline Charigot, il se fractura le bras droit^[3]. Cette chute est considérée comme responsable, du moins partiellement, du développement ultérieur de sa santé. Des rhumatismes déformants l'obligeront progressivement à renoncer à marcher (vers 1905).

  En 1903, il s'installe avec sa famille à Cagnes-sur-Mer, le climat de la région étant censé être plus favorable à son état de santé que celui des contrées nordiques. Après avoir connu plusieurs résidences dans le vieux village, Renoir fait l'acquisition du domaine des Collettes, sur un coteau à l'est de Cagnes, afin de sauver les vénérables oliviers dont il admirait l'ombrage et qui se trouvaient menacés de destruction par un acheteur potentiel^[4]. Aline Charignot y fait bâtir la dernière demeure de son époux, où il devait passer ses vieux jours sous le soleil du midi, bien protégé toutefois par son inséparable chapeau. Il y vit avec sa femme Aline et ses enfants, ainsi qu'avec tout un tas de domestiques (qui sont plus des amis que des domestiques) qui l'aident dans sa vie de tous les jours, qui lui préparent ses toiles, ses pinceaux, etc. Il revient de temps en temps à Paris également. Les œuvres de la période sont essentiellement des portraits, des nus, des natures mortes et des scènes mythologiques. Ses toiles sont de plus en plus chatoyantes, et il utilise l'huile de façon de plus en plus fluide, tout en transparence. Les corps féminins ronds et sensuels resplendissent de vie.

  Renoir est désormais une personnalité majeure du monde de l'art occidental, il expose partout en Europe et aux États-Unis, participe aux Salons d'automne à Paris , etc. L'aisance matérielle qu'il acquiert ne lui fait pas perdre le sens des réalités et le goût des choses simples, il continue à peindre dans son petit univers presque rustique. Il essaie de nouvelles techniques, et en particulier s'adonne à la sculpture, aiguillonné par le marchand d'art Ambroise Vollard, alors même que ses mains sont paralysées, déformées par les rhumatismes. De 1913 à 1918, il collabore ainsi avec Richard Guino, un jeune sculpteur d'origine catalane que lui présentent Maillol et Vollard. Ensemble, ils créent un ensemble de pièces considéré comme l’un des sommets de la sculpture moderne : Vénus Victrix, le Jugement de Pâris, la Grande Laveuse, le Forgeron (Musée d'Orsay). Après avoir interrompu sa collaboration avec Guino, il travaille avec le sculpteur Louis Morel (1887 - 1975), originaire d'Essoyes. Ensemble, ils réalisent les terres cuites, deux Danseuses et un Joueur de flûteau.

  Sa femme meurt en 1915, ses fils Pierre et Jean sont blessés durant la Première Guerre mondiale.

  Malgré tout, Renoir continue de peindre jusqu'à sa mort en 1919. Il aurait d'ailleurs, sur son lit de mort, demandé une toile et des pinceaux pour peindre le bouquet de fleurs qui se trouvait sur le rebord de la fenêtre. En rendant pour la dernière fois ses pinceaux à l'infirmière il aurait déclaré « Je crois que je commence à y comprendre quelque chose »^[5] (qui résume la grande humilité avec laquelle Renoir appréhendait la peinture, et la vie).

  Impulsif, nerveux et bavard, Renoir eut souvent des opinions contradictoires, mais il fut toujours loyal envers sa famille et ses amis. De tous les impressionnistes, c’est lui qui a peint avec le plus de constance les évènements et les plaisirs des gens « ordinaires ».

  Le 3 décembre 1919, il s’éteint à Cagnes-sur-Mer, des suites d'une congestion pulmonaire^[2], après avoir pu visiter une dernière fois le Musée du Louvre et revoir ses œuvres des époques difficiles. Il est enfin reconnu.

  Il est enterré le 6 décembre à Essoyes, dans l'Aube.

  Peintures

  « Renoir peint souvent en utilisant les couleurs de l’arc-en-ciel et avec des touches brèves. Les ombres sont souvent bleu vif et non pas noires »
  Les touches de lumière ne sont pas blanches mais se jouent dans les tons de bleu.
  Renoir aime les femmes. Dans ses œuvres, on les retrouve souvent dans des formes charnelles avec des bouches petites et charnues, aux lèvres souvent très rouges.
  
  
  
  

  
   Lise à l’ombrelle , Musée Folkwang, Germany
  

  Exposé au Salon en 1868, le tableau fut acheté par le critique Théodore Duret, en même temps que En été ( ou La bohémienne ).

  La toile est peinte dans les tons de blanc, cher aux impressionnistes. On retrouve Lise sous le feuillage de la forêt de Fontainebleau. Renoir fait déjà jouer les ombres et la lumière sur la robe de Lise. Il abandonne ses couleurs sombres. Lise a déjà les traits caractéristiques des visages féminins de Renoir. Cette œuvre est largement inspirée par Courbet.
  

  
  
  
  
  
  Madame Charpentier et ses enfants ,Renoir 1870 -1877
  Metropolitan Art Musem ,  

  Exécuté en 1878, ce tableau remporta un vif succès au Salon de Paris de 1879.Ce portrait de groupe de la fin de la période impressionniste représente Marguerite-Louise Lemonnier (Madame Charpentier) (1848-1904) et ses enfants, Georgette-Berthe (1872-1945) et Paul-Emile-Charles (1875-1895). Marguerite-Louise était la femme de Georges Charpentier, l'éditeur très en vue d'Émile Zola, d'Alphonse Daudet et de Guy de Maupassant et tenait, avec son mari, une place importante dans le milieu intellectuel de l'époque.

  Dans ce tableau, Renoir a peint une composition inhabituelle chez lui. On y retrouve un peu l’arrangement d’une peinture religieuse (rappelant Rubens, avec le chien remplaçant l’agneau). La scène vibre grâce au registre de tissus et de lumière circulant dans la pièce. Seul Renoir pouvait tirer la poésie de ce lieu de milieu mondain même si cela lui a été reproché par certains.

  Les enfants et leur maman ont les traits que Renoir réserve aux femmes : la rondeur, les formes, les jolis visages. Ses œuvres de la période sont marquées par l'influence de Alfred Dehodencq.

  Renoir, n'ayant pas souhaité participer à la quatrième « Exposition impressionniste » en 1878, proposa Madame Georges Charpentier et ses enfants au « Salon officiel ». Accepté par le jury, le tableau y remporta un grand succès. Camille Pissarro écrivit à ce propos : « Renoir a un grand succès au Salon. Je crois qu'il est lancé, tant mieux, c'est si dur la misère ! ».

  
  

  
  
  
  
  
  Déjeuner des canotiers Phillips Collection
  

  (période impressionniste)
  Il s’agit de la dernière grande œuvre de Renoir dans ce style. Le tableau a été peint sur la terrasse de la Maison Fournaise à Chatou.

  On y retrouve les jeux d’ombres et de lumière dans les tons de bleu, les visages féminins typiques de Renoir. Cette peinture est composée avec un étonnant contraste entre le fond et les personnages dans des tons pastels mais vifs assez fondus, et les quelques objets et mets très contrastés sur la table avec des fruits aux couleurs très vives aux traits puissants et relativement purs, et des gros empâtements de blanc pur pour les reflets. Les reproductions imprimées sont rarement fidèles à l'original. L'image ci-contre ne présente pas non plus tous ces contrastes.

  Comme d’habitude, Renoir y fait participer un grand nombre de ses amis : Aline Charigot (la femme au chien et sa future épouse), Gustave Caillebotte (peintre), M. Fournaise (restaurateur), son fils Alphonsine Fournaise, le baron Raoul Barbier, Paul Lhote, Lestringuez, Ellen Andrée (actrice), Jeanne Samary (actrice), ainsi que son banquier M. Ephrussi qui fut rajouté par la suite. Les restes du repas prouvent que Renoir était un peintre talentueux en nature morte. Dans le paysage du fond, on aperçoit des canots.
  
  Bal du moulin de la Galette

  Cette toile^[6] achevée en septembre 1876 est une huile sur toile qui mesure 1,31 m de hauteur par 1,75 m de largeur. Elle a été présentée à la troisième "Exposition impressionniste" et est maintenant conservée au musée d’Orsay, au niveau supérieur, salle 32.

  La scène se déroule en plein air (contrainte que s'imposaient les impressionnistes), un dimanche après-midi, un jour de beau temps au Moulin de la Galette à Montmartre. Les personnes présentes dans la scène sont des amis du peintre : modèles, peintres, habitués du lieu, parmi lesquels on reconnaît : l’écrivain Georges Rivière, le peintre Goeneutte, Lamy qui sont installés à la table du premier plan et une dénommée Estelle qui est assise sur le banc ainsi que Frédéric Samuel Cordey. Renoir représente ainsi sur sa toile, une foule joyeuse de personnes de tous les milieux sociaux, qui partagent du bon temps, dansent à gauche, bavardent à droite, fument et boivent. Tous ces personnages sont représentés en action ce qui suscite des questions telles que : manœuvre de séduction ou dispute?...

  On peut définir trois plans: au premier plan on a la discussion des personnes assises, au second plan les danseurs et au troisième plan des bâtiments où l’on aperçoit l’orchestre.

  Au lieu d’utiliser comme le font la plupart des peintres, la netteté au premier plan puis progressivement un flou, il met le flou partout et la seule distinction de profondeur se fait par la taille des personnes représentées. Il décide de représenter cette scène dans une ambiance bleutée parsemée de taches de lumière réparties inégalement comme si elles traversaient le feuillage des arbres pour parvenir auprès de la foule.

  C’est grâce à la lumière que Renoir fait ressortir ces personnages, par exemple le couple à gauche de la scène semble être entouré de lumière au sol et la robe rose clair de la femme renforce cet effet et les met en avant.

  Renoir utilise des couleurs pastel plus ou moins vives à certains endroits
  
  
  

  Au jardin - Sous la tonnelle au moulin de la galette

  Au jardin - sous la tonnelle au moulin de la galette

  Auguste Renoir, 1876

  huile sur toile

  81 × 65 cm

  Musée des beaux-arts Pouchkine, Moscou

  Peint dans son atelier de la rue Cortot à Montmartre pendant l'été 1876 comme un autre de ses chefs-d'œuvres la balançoire^[7], ce petit tableau, pièce rapportée du célèbre Bal au moulin de la galette est remarquable à plus d'un titre.

  En premier lieu le travail sur la lumière qui filtre à travers le feuillage , ensuite la composition dense et rayonnante qui organise les personnages, non en lignes horizontales comme dans le bal mais en cercles concentriques, les uns debout, les autres assis, tous regroupés autour de cette petite table, centre de gravité de l'œuvre, pour ne former plus qu'un, la palette chromatique large et profonde structurée autour du jaune orangé comme un soleil irradiant ses chaudes vibrations, et enfin, loin des grandes conventions de la peinture académique, le fait de peindre le personnage au premier plan, une jeune femme à la robe blanche rayée, de trois quart dos, ce qui accentue la dimension naturelle et spontanée de l'œuvre (comme un cliché de photographe pris sur le vif). Ce tableau qui faisait partie de la collection Ivan Morozov^[8] est en quelque sorte un résumé de l'art de son auteur.
  
  
  Jeunes filles au piano

  (période nacrée)

  Il représente une scène familiale de deux jeunes filles jouant du piano. Les deux jeunes filles ont déjà le corps charnel des femmes que Renoir aimait peindre. Cette toile n’est plus du pur impressionnisme mais on n’y retrouve pas les traits de pinceau précis de la période ingresque. Les vêtements des enfants n’ont pas été embellis ce qui rend cette toile plus réelle. Cette œuvre a été réalisée de 5 manières différentes car Renoir savait que l’État Français souhaitait faire un achat. Grâce à cette toile, Renoir est enfin reconnu.

  Claude Renoir en clown

  

  Auguste Renoir, Claude Renoir en clown, 1909

  (1909, huile sur toile (120 x 70 cm), musée de l’Orangerie, Paris)
  (période cagnoise)

  Il s'agit d'un portrait de Claude, habillé d’un costume bouffant rouge. Renoir souligne les formes bouffantes du costume ce qui confère une certaine présence et une certaine autorité au jeune garçon. Les colonnes sont peintes en oblique.

  Le clown, symbole même du machiavélisme, était très présent dans les toiles de Renoir.

  Lors de la pose, Claude avait refusé de porter des bas de laine : il a fallu acheter des bas de soie.
  

  Femme nue couchée [modifier]

  

  Auguste Renoir, Femme nue couchée (Gabrielle)

  Ce nu allongé, ayant Gabrielle pour modèle, est parmi les œuvres les plus sensuelles de Renoir. Peint pendant la première décennie du XX^e siècle, il se rattache à la période dite nacrée de l'artiste. Sur un fond neutre, qui contraste avec l’impression de mollesse qui se dégage de la forme et de la position des coussins, Renoir a placé une jeune femme nue, allongée sur un drap blanc, le corps sur le côté gauche, la tête retenue par la main.

  On connaît de nombreuses toiles de Renoir représentant des femmes nues dans la nature en harmonie avec le paysage environnant. Il est plus rare de le voir peindre le nu en intérieur à la manière de Goya ou de Manet. Ici, dans une toile tout en longueur, Renoir donne libre cours à son plaisir de peindre le corps de la femme.

  Renoir conserva cette œuvre dans son atelier jusqu’à sa mort une dizaine d’années plus tard. Il est difficile de donner une date précise à cette œuvre. Trois nus ayant Gabrielle pour modèle, dans des positions légèrement différentes ont été réalisés par l’artiste. Le premier en 1903, le dernier en 1907. Celui-ci pourrait se situer entre les deux.

  Ce tableau a été exposé pour la première fois en 1927, à la galerie Bernheim-jeune à Paris. Acquis par l'État en 1960, il est exposé au Musée de l'Orangerie.
  
  
  
  
  Valadon, Suzanne (1867-1938), real name: Marie Clementine Valadon, illegitimate child, had a neglected childhood in Montmartre. At the age of 18 she herself had an illegitimate son, Maurice Valadon, who later became the artist Utrillo. She earned her living as a model; was a model and lover of Puvis de Chavannes and Renoir. Encouraged and instructed by the artists, for whom she sat as a model, she began to paint herself.
  See: Pierre-Auguste Renoir. City Dance (Suzanne Valadon and Eugène Pierre Lestringuez).
  Pierre-Auguste Renoir. Girl Braiding Her Hair (Suzanne Valadon).
  
  
  
  (all from wiki, hudong.com)