美国摄影现状

美术摄影

选自Wikipedia,自由百科全书(http://en.wikipedia.org/wiki/photography)


在二十世纪，美术摄影和纪实摄影开始逐步被英语语系的艺术世界和画廊体系所接受。 在美国，少数摄影记者花费其一生精力提倡摄影作为一种艺术。 阿尔弗雷德（Alfred Stieglitz），爱德华-斯泰肯（Edward Steichen），约翰（John Szarkowski）, 和爱德华-韦斯顿（Edward Weston）是其中最突出的.

起初，美术摄影试图模仿绘画的风格。这项运动被称为绘画摄影（pictorialism），常常利用柔焦产生一个梦幻，浪漫的景象。为了挑战这一倾向,韦斯顿（Weston），亚当斯（Ansel Adams）等人组成一个称作F/64的小组，主张‘直接摄影’--照片针对的事情本身，而不是仿制其他的什么东西。

尤其是在艺术界，摄影美学的问题被持续定期地讨论。许多艺术家认为， 摄影是机械地复制某个形象。如果说摄影是真正的艺术， 那么摄影的艺术范畴需要重新界定，例如确定照片的什么成分，使观众感到美。争议开始于最早的图片《光线的写作（written with light）》：尼埃普斯（Nicéphore Niépce），路易（Louis Daguerre），与其他一些最早的摄影家得到了喝彩声，但有人质疑这是否符合艺术的定义和宗旨。

克莱夫-钟（Clive Bell）在他经典的散文《艺术》中讲，只有一件东西能够区分艺术与非艺术：“重要的模式（significant form）”。 钟写道：“必须有某种品质，没有它一个艺术作品就不能称其为艺术品；拥有了它，最小程度地说，这件艺术品也不是毫无意义的。”

什么是这种品质？什么是所有艺术品共有的、可以引发我们审美情感的品质? 什么样的品质存在于索菲娅（Sta. Sophia)、窗户（the windows at Chartres）、墨西哥雕塑（Mexican sculpture）、波斯碗（a Persian bowl），中国地毯（Chinese carpets）、乔托的壁画在帕多瓦（Giotto's frescoes at Padua）、 和艺术大师们如狍孙（Poussin）、弗兰西斯卡（Piero della Francesca）与塞尚（Cezanne）的作品中? 只有一种可能的答案--重要的模式。在每个模式中，线和色彩以一个特定的方式结合，某些模式和模式之间的关系，激发我们的审美情感（张戟：这种模式是否可以是一种情感模式？不然，文学作品的审美又如何解释？）


1. 美

美是一个物体或人呈现的一种品质，这种品质或者通过感官刺激（如形状，颜色，声音，等等），或者通过一个有意义的设计或模式，或者通过其他的什么东西(如人格)，给人脑提供强烈的快乐或非常的满意。[1]另一种说法是，‘美’是一个人、一个事物、一个地点、或者一个主意的一种品质，这种品质可以提供快乐、肯定、生命意义、或善良的感性体验。美的主观经验往往牵涉诠释一些实体的平衡和与自然的和谐，从而导致强大的感情吸引力和情感的满足。

就其最深刻的意义而言，美可能产生一种关于自身存在意义肯定性反思的深刻体验。一个“美的事物”是任何一件能够揭示个人人生目的，或者与个人生命意义共鸣的物件。因此，宗教和道德说教往往注重神与美德，主张自然美作为灵性和真理的一个方面。

美的反义词是丑，即美丽在感觉上的对立面，刺激不快并产生对该事物的深刻的负面印象。丑陋也可以用来形容一个人的行为。

“花不迷人，人自迷”是一个常见的短语，同属于这个概念[2]。


2. 美术摄影

美术摄影，有时干脆称为艺术摄影，是指高质量的、具有保存价值的，以实现专业人员创造性想象的摄影图片。 这种图片，通常只有有限的版本，以便将其出售给经销商，收藏家或博物馆馆长，而非大规模生产用于广告或杂志。这些图片，有时但并不总是，陈列在美术馆。

在19世纪，有意识的“艺术”摄影的成功尝试可以追溯到维多利亚时代的从业人员，如朱利娅-霭马伦（Julia Margaret Cameron），查尔斯（Charles Lutwidge Dodgson），和奥斯卡-古斯塔夫（Oscar Gustave Rejlander）等。

在20世纪最初的几年，绘画摄影（pictorialism）是一项风靡一时的运动，努力把摄影做得越像一幅画越好。在艺术世界里，这一运动几乎没有产生被视为具有持久价值的作品，其风格和方法现在已被看作是不合时宜的。

在二十世纪中，美术摄影开始逐步被英语语系的艺术世界和画廊体系所接受。 在美国, 少数馆长为此花费了毕生的精力；阿尔弗雷德（Alfred Stieglitz）, 爱德华-斯泰肯（Edward Steichen），约翰（John Szarkowski）， 和爱德华（Hugh Edwards）。

70年代以来，许多画廊接受了这样一个观念--最佳纪录片摄影与新闻摄影，和艺术摄影一起，是值得被陈列在画廊里的。从1975年左右兴起许多只展示摄影的新画廊。 这些画廊通常也乐意同时展示美术摄影和纪录片摄影。

传统上，直到七十年代末，以亚当斯（Ansel Adams）为代表的流派风格仍占统治地位；裸体，肖像，自然景观。在七十年代和八十年代，有所突破的星级艺术家，如萨利（Sally Mann）和罗伯特（Robert Mapplethorpe），虽然以新的眼光看待这些流派，但仍依赖这种流派风格。 其他的人则在研究抓拍的艺术方法。

整个二十世纪中，摄影图片的尺寸有显着增加。 小版面微妙薄框影像现已罕见，高光泽、墙面大小的相片，很平常的。目前的倾向是省去框架和玻璃，而直接打印到块状的帆布上去。

现在艺术界对彩色摄影的偏爱胜过了黑白，确认彩色摄影在艺术界的地位得益于馆长约翰（John Szarkowski）的大力资助。历史学家普遍把泽考斯基（Szarkowski）1976年在墨马（MoMA）主办的威廉太郎（William Eggleston）图片展定为“色彩的突破”。在英格兰，吉尔伯特和乔治（Gilbert & George）的早期作品被引证为确认彩色艺术摄影在艺术界地位的工作。

美洲组织，例如光圈基金会及其现代艺术博物馆，已经做了许多工作，使摄影保持在艺术的前列。


3. 当前趋势

目前趋向于谨慎的舞台和灯光设计，而非希望发现现成的图画。摄影师如榫蒂（Cindy Sherman） 和格雷戈里（Gregory Crewdson）,等等,皆因高质量的舞台照片引起人们的注意。

艺术摄影家对中等幅面和大幅面相机的偏爱一直超过35mm，但随着高端的数码相机的迅速改善，这种情况正在发生变化。90年代以来，艺术世界内部美术摄影家和一些可称之为“用相机的艺术家”之间出现了一些紧张关系。

随着数码相机和图片处理工具（Photoshop）的出现，蒙太奇的艺术摄影再次成了热门；它主要表现在约翰（John Goto)的作品中，曾鼓舞了很多模仿者。纯粹电脑产生的数字艺术(如fractals)，通常是明确区别于美术摄影。

在艺术界，除了有限的图书市场，没有试图普及美术摄影作品的具体尝试。 人们普遍认为一个人必须有一双经过训练的眼睛，才能真正地欣赏美术摄影。 由于艺术摄影根本不在学校和教育家的议程上，发展一种大众传播市场的机会仍然有限。 自1995年以来，出现了许多在线的“网上杂志”提供了一种欣赏美术摄影的新出路，但即使这样，仍然只是留有一席之地，销售数字仍然不佳。艺术零售商尝试在网上出售摄影和绘画结果好坏参半，销售量主要来自传统的“大明星”摄影，如亚当斯（Ansel Adams）等。

根据《艺术市场趋势》，2004年拍卖客房销售了7000张照片，照片的平均价从1994年至2004年以每年7.6%递增。 大约80%在美国售出。当然，拍卖纪录，只占私人销售总和的一小部分。

自1980年左右，由于印刷技术的提高，精心印制限量发行的艺术摄影书籍现在已成为收藏家有着浓厚兴趣的一个新领域。这是因为书籍通常拥有高的价值，很少的印数和有限的市场，意味着他们几乎没有重印的可能性。珍藏个别摄影家的摄影书籍的市场正在迅速发展。

“艺术摄影”品牌的威望已经导致了一连串的伪劣产品运用这一品牌的尝试，例如挂历和廉价的海报。


舞台造型（Tableau vivant）是一种画面制作方法，始于早期的美术摄影开拓者，包括19世纪40年代的戴维（David Octavius Hill ）和罗伯特（Robert Adamson ）。 其他明显的例子有奥斯卡-古斯塔夫（Oscar Gustave Rejlander）的《两种生活(Two Ways of Life ，1857)》和查尔斯（Charles Lutwidge Dodgson）的《谢》，等等。今天，这种方法体现在美术摄影艺术家的作品中，如贾斯提（Justine Kurland），罗歇（Roger Ballen），简（Jan Saudek），桑迪（Sandy Skoglund），格雷戈里（Gregory Crewdson ），等等。它也影响到目前的画面构成的发展趋势。

这类摄影有时被随便地称为“舞台摄影”，但这是一个不精确的名词，因为简单乔装的时装模特在街上也是“舞台摄影”。如果图片明显地依靠戏剧或绘画的传统和习惯来设计，舞台造型（Tableau vivant）则一个更准确的词。观察认为，早期摄影的曝光时间长，因此，有必要摆出一个固定的姿势。